Pintar Palavras

Directório de Arte

2010-04-30T00:12:00.030+01:00

Óscar M. Domínguez ( 3 de Janeiro de 1906 - 1 Janeiro de 1957), foi de todos os artistas que tive o privilégio de ver as obras na minha viagem a Madrid que mais me marcou.

Foi um pintor Espanhol do movimento surrealista, nasceu em San Cristóbal de La Laguna na Ilha de Tenerife. Com 21 anos foi para Paris, onde trabalhou inicialmente para o seu pai no mercado central de Les Halles, e passou as suas noites bebendo em cabares. Então frequentou algumas escolas de arte, e visitou galerias e museus. Domínguez rapidamente se sentiu atraído pelos pintores Avant-gard, nomeadamente Yves Tanguy e Pablo Picasso, cujas influencias são bastante evidentes nos seus primeiros anos. Aos 25 anos fez o seu auto-retrato, em que se retratou tendo uma mão deformada e as veias do seu braço cortadas ( Domínguez que desde os 10 anos de idade que sofre de uma doença degenerativa, deformação dos seus ossos e membros), algo que quase se veio a profetizar, pois aos 27 anos de idade, cometeu suicídio pelo método de sangramento pelas veias do braço. Em 1933 Domínguez conheceu André Breton ( poeta, escritor visto como o teorito do surrealismo) e Paul èluard, conhecido como o poeta do movimento, participou um ano mais tarde na exibicção Surrealista que decorreu em Copechagen, seguindo-se Londres e Tenerife em 1936 .

Óscar domínguez, Retrato de Selina Calzadilla 1927

Óscar Domínguez, Souvenir de Paris 1930

Óscar Domínguez, Dibujo 1933

Óscar Domínguez, Los niveles del deseo 1933

Autorretrato 1933

Le Piano 1933

La Boule Rouge o Composition Surrealiste I 1933

Desir d ete

Retrato de Roma 1933

Oscar Dominguez, Bullfight

Óscar Palazón Domínguez, Le Chasseur " The Hunter", quadro a óleo 61 x 50 cm, Museu de Belas Artes de Bilbao
Óscar Domínguez, El Piano, pintura a óleo, 28.5 x 46.3 cm, Fundacion Caixa Galicia
Óscar Domínguez, El Drago, 82.5 x 61.5 cm, Fundacion Caixa Galicia

Esta tela é uma das suas obras mais emblemáticas. Datada do mesmo ano que a obra anterior, mostra as mesmas influÊncias surreais: paisagem, simbolismo, objectos e figuras. Esta árvore é um símbolo das ilhas Canárias, em vários retratos o dragão aparece ligado á figura do piano e uma mulher, aqui encontramos a forma como o fundo de um corpo feminino, encontrando-se sob o piano de atitude sexualmente explícita, misturando-se com as raízes da árvore, e um leão uma das figuras mais recorrentes so surrealismo. Na mitologia Grega, o Jardim das Hespérides, que muitos autores colocam nas ilhas canárias, crecimento de maçãs douradas nas árvores, jardim este que era guardado por Ladon, um dragão feroz, com 100 cabeças que cospem fogo e que os gregos antigos associam á erupção do Teide. Os galhos das árvores pode estar associada á cabeça do dragão também, segundo a mitologia, quando ele morreu, tornou-se uma árvore que deu origem á lenda do dragão. Breton, em sua viagem para as Canárias, em 1935, chamou-o, relativo aos termos mágico e ancestral tanto interesse para os surrealistas. Não surpreendentemente, Breton chamado Dominguez no seu dicionário como dragonnier Le Surreal, deixando o artista identificado estar árvore para sempre.

Interior Metafísico, "Metaphysical Interior" atribuido a Giorgio de Chirico ( Italiano 1888-1978), e Óscar Dominguez, Museu de Arte Cleveland

Os Surrealistas, consideram os quadros Metafísicos dos ano 1910 como modelos de exploração do inconsciente dos sonhos. Durante muitos anos este quadro foi propriedade do Surrealista Paul Éluard, obra esta inicialmente atríbuida a Chirico mas mais tarde contestado, e finalmente atríbuida ao verdadeiro dono, òscas Domínguez.

Óscar Manuel Domínguez, La Ciclista 1946, 73 x 60cm, Museu Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina

Óscar Domínguez, Machine à coudre électro-sexuelle, pintura a óleo, 1934-1935, 100.2 x 80.8 cm

Óscar Domínguez, "Personnages surréalistes", pintura a óleo 65 x 165 cm

Arte Lisboa 2009 - Feira de Arte Contemporãnea

2010-01-28T22:45:00.106Z

A 9ª edição de Arte Lisboa realizou-se entre os dias 18 a 23 de Novembro. Decorreu no Pavilhão 4 do recinto da FIL, situado no Parque das Nações, em Lisboa, junto ao Rio Tejo. Um total de 67 galerias, onde podemos facilmente verificar que cada vez mais a nossa FACL está cada vez mais dominada por Arte e Galerias Espanholas.

Lista de Galerias na Arte Lisboa 2009:

111 | Lisboa/Porto - Portugal | www.galeria111.pt
ADHOC | Vigo - Espanha | www.adhocgaleria.com
AKA GALLERY | Seul - Coreia | - www.misoolsidae.co.kr
ALECRIM 50 | Lisboa - Portugal | www.alecrim50.pt
ALONSO VIDAL | Barcelona - Espanha | www.alonsovidal.com
ALVAREZ | Porto - Portugal | www.galeria-alvarez.com
ALVARO ÁLCAZAR | Madrid - Espanha | www.galeriaalvaroalcazar.com
ÁNGELES BAÑOS ZAPATA | Badajoz - Espanha | www.galeriaangelesb.com
ANTIKS DESIGN | Lisboa - Portugal | www.antiksdesign.com
ANTÓNIO HENRIQUES | Viseu - Portugal | www.ah-arte.com
ANTÓNIO PRATES | Lisboa - Portugal | wwww.galeriaantonioprates.com
ART FORM | Estoril - Portugal | www.artform.pt
ART LOUNGE | Lisboa - Portugal | www.artlounge.com.pt
ARTE PERIFÉRICA | Lisboa - Portugal | www.arteperiferica.pt
ARTEKO | San Sebastián - Espanha | www.artekogaleria.com
ARTHOBLER | Lisboa/Porto - Portugal | www.arthobler.com
BAGINSKI | Lisboa - Portugal | www.baginski.com.pt
BLANCA SOTO | Madrid - Espanha | www.galeriablancasoto.com
CANEM | Castelló - Espanha | www.galeriacanem.com
CARLES TACHÉ | Barcelona - Espanha | www.carlestache.com
CARLOS CARVALHO | Lisboa - Portugal | www.carloscarvalho-ac.com
CLAVE | Murcia - Espanha | www.galeriaclave.es
DEL SOL ST. | Santander - Espanha | www.delsolst.com
DOVIN | Budapeste - Hungria | www.dovingaleria.hu
FERNANDO DE LATORRE | Madrid - Espanha | www.galeriafernandolatorre.com
FILOMENA SOARES | Lisboa - Portugal | www.gfilomenasoares.com
FONSECA MACEDO | Ponta Delgada, Açores - Portugal | www.fonsecamacedo.com
FULL-ART | Sevilha - Espanha | www.fullart.net
GORAN GOVORCIN | Santiago de Compostela - Espanha | www.gorangovorcin.com
GUILLERMINA CAICOYA | Oviedo - Espanha | www.galeriaguillerminacaicoya.com
HARTMANN | Barcelona - Espanha | www.galeriahartmann.com
JOÃO ESTEVES DE OLIVEIRA | Lisboa - Portugal | www.jeogaleria.com
JORGE SHIRLEY | Lisboa - Portugal | www.jorgeshirley.com
JUAN SILIÓ | Santander - Espanha | www.juansilio.com
LA CAJA CHINA | Sevilha - Espanha | www.lacajachina.net
LISBOA 20 | Lisboa - Portugal | www.lisboa20.pt
MARÍA LLANOS | Cáceres - Espanha | www.galeriamariallanos.com
MARISA MARIMÓN | Ourense - Espanha | www.marisamarimon.com
MCO | Porto- Portugal | www.mcoart.com
MIGUEL BOMBARDA | Porto - Portugal
MÓDULO | Lisboa/Porto - Portugal
MORIARTY | Madrid - Espanha | www.galeriamoriarty.com
MY NAME'S LOLITA | Madrid - Espanha | www.mynameslolita.com
NUNO SACRAMENTO | Aveiro - Portugal | www.nunosacramento.com.pt
PAZ Y COMEDIAS | Valencia - Espanha | www.pazycomedias.com
PEDRO OLIVEIRA | Porto - Portugal | www.galeriapedrooliveira.com
PEDRO SERRENHO ARTE CONTEMPORÂNEA | Lisboa - Portugal | www.galeriapedroserrenho.com
PEPE COBO | Madrid - Espanha | www.pepecobo.com
PERVE | Lisboa - Portugal | www.pervegaleria.eu
PRESENÇA | Porto - Portugal | www.galeriapresenca.pt
PROYECTO ARTE | Madrid - Espanha | www.proyectoarte.es
QUADRADO AZUL | Lisboa/Porto - Portugal | www.quadradoazul.pt
QUATTRO | Leiria - Portugal | www.quattrogaleria.com
RAFAEL ORTIZ | Sevilha - Espanha | www.galeriarafaelortiz.com
SANDUNGA | Granada - Espanha | www.galeriasandunga.com
SÃO MAMEDE | Lisboa/Porto - Portugal | www.saomamede.com
SCQ | Santiago de Compostela | www.scq.es
SERPENTE | Porto - Portugal | www.galeriaserpente.com
SERVANDO | Vedado - Cuba
SIBONEY | Santander - Espanha | www.galeriasiboney.com
SOLEDAD LORENZO | Madrid - Espanha | www.soledadlorenzo.com
SOPRO | Lisboa - Portugal | www.sopro.pt
TREMA | Lisboa - Portugal | www.trema-arte.pt
TRINDADE | Porto - Portugal | www.galeriatrindade.co.pt
TRINTA | Santiago de Compostela - Espanha | www.trinta.net
VALBOM | Lisboa - Portugal | www.galeriavalbom.com
VÉRTICE | Oviedo - Espanha | www.galeriavertice.com

De seguida deixo aqui a minha reportagem fotográfica, mostrando os artistas que para mim merecem destaque:

Alexandra Mesquita

Licenciada em Artes Plásticas - Pintura, Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, 1994.

Alexandra Mesquita, "Nada sem Espinha", técnica mista sobre papel, 140x140 cm, 2800$ ( Vendido)

Pormenor

Ana Maria

Nasceu em Lisboa em 1959, conclui curso de Filosofia na Faculdade de Letras do Porto, iniciando a sua actividade como docente do Ensino Secundário, ao mesmo tempo começa a sua carreira artística em diversos domínios das Artes Plásticas. Desde 1980 que participa em exposições colectivas nacionais e algumas no estrangeiro.

Ana Maria, "O Palácio do Chá", 2009, 140x170 cm, valor 4.750 euros ( Vendido)

Pormenor
Pormenor

António Palolo

António Palolo, nasceu em èvora, em 1946. Artista autodidacta. O seu trabalho desenvolve-se do informalismo á transvanguarda, passando pela Arte Pop, o abstraccionismo geométrico, o hard-ege ou arte conceptual.

António Palolo, S/Título, 1986, 130x89 cm acrílico s/tela

Armando Alves

ítulo, 1986, 1 Armando Alves ( Estremoz, 1935), artista plástico de um trajecto já muito considerável, tendo passado por fases mais ou menos bem defenidas.

Armando Alves, s/título, 2008, 17.850 euros, 100x100 cm

Carlos Coronas

Artista de escultura urbana, é assim que se gosta de defenir, nasceu em Avilés, Austurias em 1964. Licenciado em Bellas Artes na Universidade de Salamanca.

Chung Heeju

45x45 cm, acrílico, 700 euros cada

70x70 cm, acrílico em tela, 1500 euros cada

Daniel Nave
Daniel Nave, pastel s/papel, s/título 100x70cm, 2009 preço: 1450 euros
Daniel Nave, s/título 2009, 80x70, óleo sobre tela

Dora Salazar

Duarte Vitória
Pormenor
Pormenor

Duma

Duma nasceu em Lisboa em 1973. Vive e trabalha em Oeiras Licenciada em Publicidade pelo IADE. Frequentou os cursos de Desenho e de Pintura da Sociedade Nacional de Belas Artes em Lisboa. Expõe desde 1994. Encontra-se representada pelas seguintes Galerias: Nuno Sacramento, Galeira Quattro (Leiria), Galeria S.Mamede (Lisboa) e Private Gallery (Lisboa).
Pormenor

Eduardo Batarda

Fernando Coelho
Pormenor
Pormenor

Fernando Direito

Fernando Direito, natural de Vila Nova de Foz Côa, vive e trabalha em Lisboa onde tem o seu atelier de pintura. Iniciou a sua carreira nos anos 60 em Moçambique. Actualmente representado pela Galeria Valbom em Lisboa.

Gianfranco Meggiato

Gil Maia

Guilherme Parente
Guilherme Parente, "A Festa da Luz" 2009, píntura na madeira 125 x 70 cm, 10.000 Euros

Herbert Brandl

Pintor e arquitecto. Nasceu em Graz, Austria em 1959. Pinta sempre em telas de grandes dimensões, usualmente em dípticos ou tríplicos.

Herbert Brandl, sem título 2009, óleo e verniz sobre tela 175x150 cm

Javier Puertolas

Javier Puertolas, Acílico sobre Tela 100 x 114 cm

Joana Gancho

Joana Régio de Almeida Ramalho Gancho, nasce a 17 de Agosto de 1980 em Lisboa. No ano de 2004, licencia-se em Artes Plásticas, pintura, pela Faculdades de Belas Artes de Lisboa. Desenvolve e centra o seu trabalho na área da pintura, possuíndo bases formativas nas áreas da museologia, cerâmica, fotografia e desenho.

Joana Gancho, óleo sobre tela, 150 x 150 cm 2009 2370 euros

Joana Gancho, óleo sobre tela, 150 x 150 cm 2009, 2370 euros

João Viana

João Vieira

João Rodrigues Vieira ( 1934-2009), foi um artista plástico e escritor português. João Vieira é, num país de poetas, o pintor que traz a escrita para a tela. Enraizado numa forte cultura literária e artística, desenvolve a sua obra em áreas como a pintura, o teatro e as acções espectáculo. Com Algumas passagens pelo ensino, as suas preocupações sociais levam-no a integrar a Secretaria de Estado da Cultura após o 25 de Abril.

Jose Rosário Godoy

José Rosario Godoy, "El juego de la luz, 2007, Acrílico sobre madeira 110 x 110 cm

José Rosario Godoy, "A través de tu ventana", 2007, acrílico sobre madeira 61,5 x 60 cm

José Rosario Godoy, " La luz que entra por mí ventana II, 2006, Acrílico sobre madeira 61,5 x 60 cm

Kim Mikyoung

Luis Feito

Mark Llacuna

Mathias Contzen

Mathias Contzen, "Planet Bean", 2009, escultura em Mármore 14.500 euros

Tatiana Medal

" Depois da tormenta vem...."

2010-01-28T22:39:00.002Z

Pintura a óleo, 70 x 120 cm

"Um Mundo, Vários Museus"- Museu do Chiado

2009-10-29T22:05:00.079Z

Museu Nacional de Arte Contemporãnea - Museu do Chiado

Arte Moderna em Portugal

De Amadeo a Paula Rego, 50 anos de Arte Portuguesa (1910-1960)

Trata-se de uma exposição que apresenta as diferentes fases da construção da modernidade, em Portugal, durante a primeira metade do século XX. Desde a ruptura modernista de Amadeo de Souza-Cardoso, no início do século, até aos estudos magistrais de almada Negreiros para as gares marítimas; das primeiras obras de

Para além da colecção do MMNAC-MChiado, a mostra conta com obras provenientes de outros museus, como a Fundação Calouste Gulbenkian, Fundação Arpad Szénes/ Vieira da silva, Fundação Berardo, Museu Municipal Amadeo de Souza-Cardoso e de várias colecções privadas, bem como de depósitos recentemente realizados nesta instituição. Constitui, por isso, umm momento priviligiado para uma observação e leitura deste período, que transformou o curso de arte portuguesa. A exposição, que ocupa a totalidade do museu, divide-se em 6 núcleos: Primeiros Modernismos, Almada e as GAres Marítimas, Abstraccionismo Geométrico, Neo-realismo, Surrealismo, Figuração e abstracção. Cada um destes núcleos é acompanhado por um texto de sala que faz uma contextualização histórica das obras e dos movimentos apresentados. Outro aspecto de especial relevância desta exposição reside na ênfase que é dada á chamada terceira geração modernista, que se revela em meados da década de 40. A extensão e diversidade das obras dos seus protogonistas permite compreender como estes artistas trouxeram para o contexto nacional uma profunda vontade de relizar uma modernidade até aí incipiente e episódica. Também a sua divisão em movimentos como Abstraccionismo Geométrico, o Neop-realismo ou o Surrealismo foi demonstrativa da maior complexidade e do aprofundamento do fenómeno moderno possibilitado por esta geração.

Maria Helena Vieira da Silva, até á sua consagração mundial na década de 50; da emergência dos Surrealistas, abstratos e Neo-realistas, passando pelos confrontos entre a figuração e abstracção, até ás primeiras obras de Joaquim Rodrigo e Paula Rego, que anunciam um novo tempo, é assim possível observar a dinâmica dos pioneiros da modernidade. Pela primeira vez é adicionada a fotografia, que foi realizada paralela e sumltaneamente a estes movimentos. Por vezes esquecida, outras relegada para um domínio lateral, a prática fotográfica dos seus pioneiros modernos interpela e complementa aqueles movimentos artísticos.Artistas:
Abel manta, Adelino Lyon de Castro, Alexandre O´Neil, Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, António Pedro, António Soares, Canto da Maia, Carlos Botelho, Cruzeiro Seixas, Dominguez Alvarez , Dórdio Gomes, Eduardo Viana, Eduardo Harrington Sena, Fernando de Azevedo, Fernando Lanhas, Fernando Lemos, Francisco Franco, Gérard Castello-Lopes, Hein Semke, Henrique Risques Pereira, João Hogan, Joaquim Rodrigo, Jorge de Oliveira, Jorge Vieira, Júlio Pomar, Júlio Reis Pereira, Júlio Resende, Manuel Filipe, MArcelino Vespeira, Mário Cesariny, Mário Eloy, Mário Henrique Leiria, Nadir Afonso, Nikias Skapinakis, Paula Rego, Querubim Lapa, Rogério Ribeiro, Sá Nogueira, Santa-Rita Pintor, Varela Pécurto, Victor PAlla, Vieira da Silva.

Introdução:
Esta exposição traça um percursp pelas práticas artísticas da primeira medade do século XX, em Portugal, e apresenta a sua lenta e complexa modernização num contexto cultutal e politicamente adverso. Quando as distâncias entre os países europeus iniciaram o seu processo de colapso e a circulação da informação se constituiu como parte triunfante do novo mundo, a arte moderna portuguesa desenvolveu-se por episódios singulares e amplas descontinuidades. A reacção a este contexto foi a emigração de alguns dos mais relevantes artistas para Paris: primeiro Amadeo de Souza-Cardoso, situação interrompida pela Grande Guerra e sua morte prematura; posteriormente o caso maior e definitivo de Maria Helena Vieira da Silva, a quem Salazar viria a retira a própria nacionalidade. As dinâmicas das vanguardas sobre o incipiente contexto moderno permitiram construir um conjunto significativo de experiências, quer no início do século, quer na transição da década de 40 para 50s, com a terceira geração modernista. Também pela primeira vez se apresentam os desenvolvimentos da prática fotográfica desenvolvidos neste período. Quase sempre marginalizados pela História da Arte surgem agora como uma participação plena e em diálogo com as outras práticas artísticas. É para esta época e reconfiguração da modernidade então operada, que esta exposição presta especial atenção. Foram de facto os Abstraccionistas, os Neo-realistas e os Surrealistas que produziram essa modernidade prometida por Amadeo de Souza-Cardoso, passada como testemunho por Almada Negreiros e que estes artistas deram corpo e conflitualidade. No seu limite Joaquim Rodrigo e Paula Rego abriram outros caminhos para novas ficções. Amadeo de Souza-Cardoso e os Primeiros Modernismos: O Modernismo surgiu em Portugal na sequência de Revolução da República, em 1910, das estadas dos artistas em Perus e das cescenttes trocas de informação e contactos com as vanguardas emergentes, que esta situação proporcionou. Também a geração lirerária, reunida em torno de Fernando Pessoa e das revistas Ordeu ou Portugal Futurista, deu ao moviemnto modernista uma importantíssima amplitude e profundidade. Amdeu de Souza-Cardoso, fixado em Paris, foi o único artista que participio em algumas das mais revelantes exposições da vanguarda internacional. Com a eclosão da Primeira Guerra Mundial ficaria exilado no seu próprio país, ainda que acompanhado durane o ano de 1915 pelos Delaunay. Aqui desenvolveu solidariamente as experiências mais radicais sobre as novas concepções de espaço pictórico, até morrer prematuramente, em 1918. Depois do conflito, uma segunda geração estagiou em Paris, sem participações significativas em exposições ou novas experiências e trazendo para Portugal uma modernidade conservadora, distanciada das vanguardas. Apenas Mário Eloy conheceu outras referências, em Berlim. O contexto artístico local mantinha-se "um mal-entendido sem remédio", nas palavras de Almada Negreiros. É apenas nos meados da década de 1930 que ocorre uma assimilação superficial da modernidade, então dedinida por António Ferro, o seu promotor oficial tolerado pelo fascismo, nos limites de um "indispensável equilíbrio", sem "incompatibilidade entre um regimo de Autoridade consciente e a arte moderna". Nesse anos 30, Almada Negreiros, regressado de Madrid onde fora compreendido e estimado, desenvolve um retorno ao classicismo de matriz picassiana, dando início a uma pesqueisa sobre o cânone ocidetal, que ocupará o seu trabalho futuro. Simultaneamente ocorrem outras tentativas dispersas de reformulação do modernismo com nocas propostas intedradas no quadro das vanguardas internacionais. António Pedro, em Paris, retoma a exploração da relação entre palavra e espaço, iniciada com a geração do Orfeu, para seguidamente realizar as primeiras pinturas surrealistas, juntamente con António Dacosta. M. H. Vieria da Silva dá inicio ás suas explorações espaciais a partir de arquitecturas imaginadas ou transfiguradas. Abstracção Geométrica: Este anos, de 1945 até ao final da década seguinte, assistem á entrada em cena de uma geração jovem preocupada com um envolviemnto profundo nas diferentes vias da modernidade e das suas manifestações de vanguarda. Tratou-se assim de constituir uma mais complexa elaboração dos aspectos com que as práticas artísticas se articulavam. No pós-guerra europeu, a prática da abstração construtivista reconstitui-se como uma vanguarda no Salon des Réalités Nouvelles de Paris e que encontrou desenvolvimentos significativos no contexto portugês. Foram assim os pintores abstractos geométricos que resgataram uma prática vanguardista interrompida durante três décadas com a morte prematura de Amadeo de Souza-Cardoso. Para artistas como Fernando Lanhas, Nadir Afonso ou Joaquim Rodrigo o dado primeiro da pintura é a especificidade formal dos seus elementos estruturais. As suas pesquisas centram-se num conhecimento essencialista da pintura e da busca de uma harmonização dos seus elementos constitutivos. Fernando Lanhas construiu diferentes cruzamentos não-ortogonais de linhas, que delimitam áreas poligonais irregulares, conferindo uma tensão e equilíbrio de formas que não excluem uma incerteza inerente á busca do conhecimento da pintura. A partir de 1949 implicou a pintura em elementos naturais como seixos cuja forma motiva a inscrição dos seus elementos geométricos. Nadir Afonso, trabalhando como arquitecto, em Paris, com Le Corbusier, partiu de formas geométricas da natureza e das suas intensidades cromáticas para operar sobre as suas relações de proporção e produzir formas complementares a partir das primeiras. Designou essa unidade formal geométrica de harmonia. As suas pinturas deste período apresentam-se como bandas onde se inscrevem ritmicamente os elementos geométricos, que se prolongam para lá dos limites da tela. Joaquim Rodrigo desenvolveu progressivamente uma procura da unidade entre a forma e o espaço matricial da pintura onde aquela se inscreve, para chegar a uma teoria da cor que lhe permitiu a unidade plena de todos os elementos pictóricos. O seu sistema de composição puramente matemática ultrapassou o tradicional modelo sensitico e aproximou-o de problemáticas minimalistas.

Santa-Rita Pintor - Cabeça, 1910 ( òleo sobre um tela, 65,3 x 46,5cm)

Na Cabeça=Linha=Força, complemntarimso orgânico de 1913, as linhas são tensas e curvas, de modo que a forma não é «analizada» por planos, mas por representação de um trecruzar de superfícies arquedas, algumas das quais se alongam como fitas que na sua «torção» mostra a outra face. O sinal evidencia o corpo, humoristicamente; e, assim no aspecto mais puramente pictórico, reencontramos o que podeia ter ficado pretendido intelectualmente.

Guilherme de Santa-Rita ( Lisboa 1889 - 1918) foi um pintor e escritor Português, considerado introdutor do Futurismo em Portugal. Apenas resistiram duas das suas pinturas, todas as outras foram destruidas, segundo o seu desejo, pela sua família depois da sua morte. São elas, Orfeu no Inferno e Cabeça. Em 1912 era bolseiro de Belas-Artes em PAris, com apenas 23 anos de idade, viu a exposição dos futuristas italianos e aderiu ao movimento. Para muitos o intodutor do futurismo em Portugal- o mentor ausente e secreto- é sem dúvida um personagem misterioso e ao mesmo tempo fascinante; companheiro de Amadeu em Paris viria a ser «lançado» pelo Portugal Futurista que de forma verdadeiramente sensacionalista o apresenta como o criador do futurismo em Portugal. A produção pictórica de Santa-Rita revela-se a dado tempo surpreendente e muito coerente na sua evolução, ultrupassado de quadro para quadro uma estética exclusivamente futurista de raiz italian-francesa, para em progressão se vir a desvincular da descrição dos objectos e penetrar em linhas e cores nos terrenos das qualidade abstracto-compositivias próprias; sondando sempre com uma intenção declarada os aspectos da autonomização da cor e da concepção da composição, partindo da relação de tensões entre a cor, a linha e a arquitectura estrutural linear-geométrica. Se se pode insistir num humor moderno que Santa-Rita terá sido o primeiro a entender e a viver, pouco preocupado com a «obra», é para melhor se poder sentir a agitação que provocou entre os seus contemporãneos. Santa-Rita utilizava de forma singular para títulos dos seus quadros longas frases descritivas segundo um código fututrista pessoal, em que propõe sistemas diferentes de abordagem sensível «radiográfica», litográfica e mecãnica, ou ainda referir um «inter-seccionismo plástico» que nos faz lembrar certas experiências poéticas contemporãneas, de Pessoa e de Almada. O caso destes artistas portugueses do «século novo» é, além de tudo o mais que se possa dizer, muito importante pela voluntariedade heróica que a sua própria modernidade exigiu, pelo grande isolamento em que frequentemente se encontraram quando foram verdadeiramente inovadores, e pela incompreensão a que foram votados e que de certo modo ainda hoje persiste. Morreu em 1918, no mesmo ano que Amadeo de Souza-Cardoso, marcando o fim da primeira fase do modernismo português, entrando o Futurismo em Portugal em declínio e tudo enfraquecera e perdera sentdo. Em fins de 1919, um jornalista anónimo dava conta da dispersão do grupo e do seu fim, ou do fim da sua escola. O sonho de Fernando Pessoa de um «super-homem», de certo modo havia acabado com a morte de Santa-Rita, continuando contudo, juntamente com Almada, a lutar contra a «mediocridade» e o sentido de inferioridade do português. Fica assim a memória da dimensão do sonho deste grande vulto - e símbolo- de uma juventude que acreditava firmemente na criação pura e desvinculada do artificialismo da sociedade de consumo ou da opressão cultural, ou não, entre os homens. Que sería da Arte se ela não fosse, antes de tudo, a reacção, o protesto, a recusa, a variante, a proposta nova, a resposta individual de um homem vivo, particular e único? Se a obra de Arte, ao contrário da emergência do imprevisível que é, fosse um grupo «estatístico», seria possível planificar o sonho com antecedências.....ora isso sabemos que é impossível. O tributo, as dores e desesperos de Santa-Rita, Amadeu, Almada, Viana e muitos outros que sofreram para ganhar o aplauso dos ignorantes e dos adormecidos, não foi esquecido.

Amadeo de Souza-Cardoso
Pintura ( Desdobramento-Intersecção). 1914
Óleo sobre cartão. 33v23 cm

Amadeo de Souza-Cardoso

Amadeo de Souza-Cardoso
Amadeo de Souza-Cardoso
Amadeo de Souza-Cardoso

Eduardo Viana (1881-1967),

Eduardo Viana (1881-1967), Sex XX, Ano 1916
Óleo sobre tela, 114x132 cm

Eduardo Viana, Revolta das Bonecas (1916) há uma influência nítida do casal Delaunay; uma figuraçãomuito diluída de bonecos de reminiscência folclórica é integrada em movimentos circulares, desconstruções espaciais e densas sobreposições de fragmentps coloridos que tornam a composição um exemplo de pura dinâmica, raro na sua obra.

Eduardo Viana ( 1881 -1967), nasceu em Lisboa, após ter frequentado a Escola Nacional de BElas-Artes, entre 1896 e 1905, e desiludido com o ensino académico em Portugal, partiu para Paris, cidade onde residiu entre 1905 e 1915. Participou na I Exposição Livre, em 1911 (Salão Bobone), com seis trabalhos enviados de Paris, naquela que foi considerada a primeira exposição anti-académica em Portugal. O seu regresso em plena guerra coincidiu com a estada em Portugal de Amadeu de Souza-Cardoso e do casal Delaunay, todos eles, e de diferetes maneiras, num exílio forçado entre manhufe e Vila do Conde. Esta proximidade permitiu um intenso convívio e partilha de experiÊncias cubistas e simultaneístas ( caracteriza-se por uma pintura em forma de discos que se subdividem em rectângulos, por sua vez constituídos em sete circunferências, ou franjas de cor, dispostas segundo as leis dos contrastes simultâneos; o orfismo representa uma evolução do cubismo de Gris e Picasso, por forma a conferir-lhe mais ritmo e movimento. A técnica dos contrastes simultâneos e dos arcos de circunferências foi desenvolvida por Robert e Sonia Delaunay preocupados em transferir para a pintura o dinamismo das urbes modernas. A parti de 1967, Sonia adapatou esta mesma técnica ao desenho têxtil.

Eduardo Viana, 1925, óleo sobre Tela, 96x146cm

Na Obra Nu ( Mulher Deitada) de 1925, a expressividade e explosão cromáticas, de reconhecida influência fauvista, dão origem a corpos de presença opulenta e sensual. Réplica reduzida da escultura "Torso", de francisco Franco

Cavalos

Dórdio Gomes nasceu em 1890, em Arraiolos, e morreu em 1976, no Porto. Entre 1921 e 1926, viaja por vários países europeus, tendo particularmente estudado a pintura renascentista italiana. Em Paris, toma contacto com a obra de Paul Cézanne, que marcou fortemente a sua pintura inicial. A acentuação de planos e volumes na representação da paisagem, associada a uma pincelada e cromatismo de cariz expressionista, está bem patente em toda a sua primeira obrea, particularmente na pintura Cavalos, realizada em plenos anos 20. Estas influências marcam a sua apresentação na exposição dos Cinco Independentes ( em conjunto com os artistas Henrique Franco, Alfredo Miguéis, Francisco Franco, Diogo de MAcedo). A paisagem alentejana domina tematicamente a sua produção artística desde meados da década de 20. Desenvolveu paralelamente o género do retrato, para além de outras temáticas de que são exemplo as pinturas murais do Café Rialto ( já desaparecido), da Livraria Tavares Martins e da igreja de N. Senhora da Conceição, no Porto.

Abel Manta, Jogo De Damas 1927, óleo sobre Tela 106x116 cm

Abel Manta, nasceu em 1888, em Gouveia, morreu em 1982, em Lisboa. Frequentou a Escola de Belas-Artes, terminando o curso de Pintura em 1916. Três anos depois, em 1919, vai para Paris, onde participa em dicersos salons, e onde tem a oportunidade de descobrir artistas impressionistas e a obra de Cézanne, que iriam permanecer como a sua grande influência. A escolha da representação de naturezas-mortas, juntamente com os retratos, confirma o interesse de Abel Manta pela análise paciente dos objectos na sua identidade natural e a atitude de submissão e fidelidade aos modelos. A obra Jogo de Damas, de 1927, revela este seu pendor para a situação quase fotográfica de observação atenta de atitudes, figurando a sua mulher, a pintora Clementina Carneiro de Moura, concentrada sobre o xadrez do tabuleiro, distante no pensamento de um parceiro que se encontra à sua frente. Representados numa perspectiva ligeiramente subida em relação ao plano da cena, apresentam tal quietismo que parece, ao espectador, estar perante a tensão da próxima jogada. Como na quase totalidade da sua obra, trata-se de uma reactualização dos valores construtivos e plásticos de Cézanne, a par de um gosto figurativo naturalista e de um sensualismo plástico que encontra na força expressiva da mancha a sua maior aliada. Esta atenção ao realismo da situação, à "fidelidade do visto", pode ter sido passada a Abel MAnta por um dos seus mestres, Columbano Bordalo Pinheiro, que o artista evoca, particularmente nas cenas de interior, nas atitudes e na esolha de momentos subtis. Tal como acontece com Dórdio Gomes, com quem expõe em 1965, a obra de Abel Manta caracteriza-se como "tradicionalista" para uns e "moderna" para outros.

Dominguez Alvarez - Fábrica, 1929 ( óleo sobre tela, 86 x 57,5 cm)

Dominguez Alvarez ( 1906-1942), natural do Porto onde nasceu em 1906, ao longo da sua vida participou em poucas exposições colectivas, destacando-se a do grupo "Mais Além" (1929). Na arquitectura linear da sua obra, qualquer alteração da geometria balança o mundo, tornando-se consequentemente agente de perturbação. O seu trabalho pode dividir-se em três fases. Uma primeira, iniciada em 1927, denominada "vermelha", revela uma paleta de cores alegres, em diálodo com negros, cinza e brancos, que se modelam para a criação depaisagens urbanas, onde os telhados rubros coroam cenários de luz singelos e toscos. Em 1930, uma incursão pelo abstracionismo permite-lhe ainda o uso dessa paleta aberta, quase festiva, sobretudo quando entra no campo da aguarela, em que também experimenta uma gramática cubista. Porém, logo desde o ano e até 1937, opera-se uma importante alteração, começando a fase dos quadros fantásticos, de inspiração espanhola, num paisagismo dramático e intenso, em que perpassam retratos urbanos, campestres ou rostos. Loucos, cemitérios, igrejas, montes estabelecem os contornos de personagens de um universo inquietante e misterioso. A paleta torna-se opaca, abraçando uma luz de oiro velho e negro, que pressagia a morte, vivendo a composição de linhas tensas, desfiadas, alongadas, que mesmo quando a estruturam ao eixo, verticalmente, a fazerm abalar no traçado de uma oblíqua ( de que é claro exemplo a tela D.Quixote), instaurando a dúvida e a conturbação. A paleta, povoada de sobras, mesmo quando aparentemente feliz, entra em agonia no apertado diálogo com a composição, qm que a instabilidade do cenário, operada pela inquietação das linhas que nos fazem tremer o olhar, nos mostra o quando é frágil a racionalidade e a agónica a vida. Dórdio Gomes foi seu professor, em que muitos do seus quadros, aquando da sua morte prematura aos 36 anos por tuberculose, ficaram no seu atelier de trabalho, não estavam assinados pelo artista. A Escola de Belas Artes decidiu então que essas obras fossem carimbadas no verso e assinadas pelos mestres Dórdio Gomes e Joaquim Lopes, como forma de autentificação.

Mário Eloy - Menino e varina, 1928, Óleo sobre tela, 49 x 43 cm

Mário Eloy - O Poeta e o Anjo, 1938, óleo sobre tela, 80x100

Mário Eloy ( 1900-1951), nasceu em Algés, e com ele a génese do segundo Modernismo português : Mário Eloy de Jesus Pereira, revelou-se um irreverente autodidacta, cunhando todas as suas obras de uma excentricidade muito pessoal, fruto do agitado e longo caminho que percorre. Trabalha em sintonia com a primeira geração do Modernismo português, vivendo as preocupações de um século á beira da ruptura e as revoluções que exaltam o povo. Como Almada Negreiros, mesmo quando ausentes de Portugal, idealiza para a sua terra natal os mais ambiciosos projectos, a par do que vai acontecendo no estrangeiro, porque ambos sentem que lisboa lhes pertence. Eduardo Viana será também uma gigura muito importante no desenrolar das obras de Eloy e convida-o a participar na primeira Mostra de Arte Moderna, que organiza em 1925. Mário Eloy tenta ler para além das aparências: interessam-lhe a expressividade das sensações e emoções interiores, optando frequentemente pela deformação ou desfiguração caricaturada. Nota-se na sua obra ligeiras afinidades com a obra plástica e poética de Chagall: o romper com a realidade, a vontade de fugir, de evasão, provocados pelo controverso contexto nacional e internacional. O personagem foge do quadro envolvido em cores fortes, entre os azuis e os verdes repletos de intensidade, pintados com tintas sobrepostas que criam ondulações e vibrações no sentido da fuga. A rudosidade da tela incomoda igualmente a leitura da obra; o abraço desenperado à outra figura esboçada e sem expressão reflecte o seu estado de espírito. Morre a 5 de Setembro de 1951, deixando uma obra em que se cruzam a expressão individual e o compromisso social.

Carlos Botelho - Recanto de Lisboa, 1936, 104,5 x 100 cm

Carlos Botelho, natural de Lisboa, onde nasce em 1899, filho de músicos, quase se profissionaliza como violinista, antes de enveredar pelas artes plásticas. Iniciando cedo a carreira profissional, trabalhou na cerâmica industrial, artes gráficas ( cartazes e ilustração), banda desenhada, caricatura, decoração, tapeçaria, cenografia de teatro e de ballet e pintura. Como quase todos os artistas da segunda geração dos modernistas, é nos campos da caricatura e da ilustração, mais permeáveis á experimentação, á inovação e ao desejo moderno de cosmopolitismo, que desenvolve obra inicial e encontra mercado. Mais liberto do que a pintura, o seu desenho de ilustração e caricatura expressa-se atravéz de um traço limpo, de inspiração inicial na herança satírica de Rafael Bordalo Pinheiro, mas atualizado pela integração de experiências com que se confronta no quotidiano nacional e nas suas múltiplas viagens. O artista dedica-se a inventar múltiplas faces de lisboa, numa herança que cita um vedutismo ( pintura de vistas urbanas, italianas do século XVIII), trabalhando, algo caprichoso e fantasista. Veja-se o modo como alguns edifícios são deliberadamente recriados, botelho faz também de Lisboa laboratório de impressões e experiências que traz de outras cidades, de outros pintores. A cidade de Lisboa é construída por uma teia geométrica orientadora, as primeiras incursões nestes registos denotam uma qualidade táctil, texturada, da mancha, obtida atravéz de uma pincelada que, volumoda, voluptuosa, orienta o olhar para o desenho e cria nuances lumínicas na composição.

António Dacosta - Episódio com um cão, 1941, Óle sobre Tela 90 x 51 cm

António Dacosta, foi um poeta e pintor português, formou-se na Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa. Participou na exposição surrealista de 1940 em Lisboa, com António Pedro e Pamela Boden. Em 1947, foi viver como bolseiro para Paris. Foi um dos principais nomes da pintura surrealista, abandou a pintura em 1949, dedicando-se em seguida á literatura ( crítica de Arte). Um dos motivos que o fez abandonar a pintura foi a perca de grande parte das suas obras que arderam num incêndio. Em 1975 retomou a pintura. Dacosta contribui plenamente para a introdução do Surrealismo em Portugal. A sua pintura apresenta geralmente um carácter dramático, melancólico ou mesmo violento. Recomeçou a pintor por volta de 1975, trabalhos abstractos, de pequenas dimensões, com colagens, muitos deles representando paisagens de ilhas açorianas em composições de carácter simbólico ou mítico. Na década de 80, o ambiente de convicto regresso á pintura que se fez sentir, com os contornos de uma expressão assumidamente individualista e reflexiva, foram favoráveis ao desenvolvimento da sua investigação pictórica, que se caracterizou pela utilização de temas figurativos em contextos de perplexidade ( paisagens e praias, figuras humanas e animais, ninfas, sereias e deusas).

Almada Negreiros – A Sesta, 1939 (Carvão sobre papel, 68 x 100 cm)

José de Almada Negreiros ( 1893-1970) , a popularidade de Almada Negreiros virá, em grande parte, da sabedoria com que soube aliar uma profunda compreensão dos valores dos tempos modernos a um apego - manifestado na sua maturidade artística e intelectual - aos valores estéticos e ideológicos da tradição. O artista forma-se á margem do ensino artístico tradicional ( Almada não passa por nenhuma escola de belas-artes) e revela-se, desde 1912, com a presença no I Salão dos Humoristas. A sua actividade criativa passa sobretudo, nessa altura, pela ilustração e pela caricatura, que publica em jornais e em revistas de humor da época. O interesse de Almada pelas artes gráficas estende-se á publicidade, ao cartaz, ás capas de revistas, como a Contemporãnea (1922), e á decoração de interiores. Os seus primeiros quadros são obras de carácter decorativo, que concebe para vários estabelecimentos comerciais de Lisboa, como o conjunto de quatro painéis figurativos que executa, em 1913, para a Alfaiataria Cunha, Brasileira do Chiado, etc... A dança é também uma das suas grandes paixões.Almada experimenta também outros suportes, como a tapeçaria, o azulejo ou o mosaico, regressa ao vitral, com os desenhos para a Igreja Santo Condestável em Lisboa (1951). Do ponto de vista plástico, a obra manter-se-ia sempre alicerçada na persistência do desenho como meio e fim da actividade criadora. Nunca a cor, a matéria pictórica, extravasa os limites impostos pela razão do traço, mesmo quando o artista abraça um maior experimentalismo, informado pela intuição da gramática pós-cubista, com as linhas entrecruzando-se no plano, com os contornos dos corpos resolvidos, sinteticamente, num desenho orgânico próximo da defenição geométrica ( círculos, arcos de círculo, ovais....). As formas da sua predilecção são sobretudo as pessoas - os saltimbancos ( Acrobatas, 1919) e arlequins ( Arlequim e Colombina, 1938). O grande Retrato de Fernando Pessoa (1954), obra emblemática da produção pictórica dos anos 50, foi executado para o restaurante lisboeta Irmãos Unidos.

Fernando Lanhas (1923) O2-44 1943-1944 óleo sobre cartão prensado

Fernando Lanhas ( Porto, 16 de Setembro de 1923), é um pintor e arquitecto português. Estudou arquitectura na Faculdade de Belas-Artes na Universidade do Porto, mas ficou conhecido como sendo um pintor abstracto. Arquitecto-pintor, poeta, astrónomo, colecionador de seixos, de que aprecia as texturas pardas. É um dos pioneiros da abstracção geométrica em Portugal. Toda a sua obra é uma concepção original da pintura, como cálculo racional, reflexão ascética, equilíbrio traduzido na ordem geométrica. Pintor neofigurativo, de tendência geometrizante.

Nadir Afonso, concluiu arquitectura na ESBAP e estudou Pintura na École des Beux Arts, em Paris. A sua total propensão para a pintura em detrimento da arquitectura impõs-se desde cedo, assim como a ânsia de procura das essências e do absoluto. A passagem pelos ateliês de Le Corbusier (1948-1951 e de Oscar Niemeyer não foi sufeciente para o demover da convicção de que "a arquitectura não é arte [...] é uma ciência, uma elaboração de equipas" e um "labirinto de contingências" no qual a arte não pode afirmar-se. Fez parte dos Independentes ( Resende, Lanhas, Pomar), no Porto, em todas as exposições que realizaram até 1946. Em 1943, redige os seus primeiros estudos, altura em que os fenómenos da óptica e da geometria já lhe interessavam muito. Nos anos 70 e 80, continua a desenvolver abundantes estudos de cidades: linhas imbricadas, ondulações que dinamizam a geometria dos edifícios, espirais, pontos de fuga, malhas, alguma profundidade de campo. No final dos anos 80, são frequentes trabalhos com a figura humana definida por traços análogos aos que desenham os fundos e relações compositivas de gesto e geometria. Para Nadir Afonso, o fosso entre as faculdades do raciocínio e as da percepção é enorme, mas é nas segundas que reside a capacidade inconsciente e inata de entendimento das leis naturais. è necessário ir contra a ilusão do saber racional e científico, mesmo o dos geómetras, contra a ilusão da imanência dos objectos e contra as tendências mística e psicologicizante de interpretação. O primado da relação entre as coisas e, entre elas e o sujeito, é fundamental na crítica que fáz ao materialismo e do idealismo, propondo a alternativa individual, baseada na exactidão "moral" de uma lógica matemática. Segundo Nadir, a "estética não poderá constituir-se senão através de uma fenomenologia da geometria perceptiva".

João Hogan – Casario de Lisboa, 1952 (Óleo sobre tela, 100 x 73 cm, MNAC-MC)

João Navarro Hogan (1914-1988), morreu em Lisboa vítima de vascular cerebral. Neto do aguarelista Ricardo Hogan e sobrinho do pintor Álvaro NAvarro Hogan,o artista, de ascendência irlandesa, viveu sempre em Lisboa. A terra e a paisagem são os temas principais de toda a sua obra. Nos primeiros anos do seu trabalho, a paisagem teve um fundo naturalista, influenciado por Silva Porto e Malhoa, mas, em 1940, a pintura de Cézanne exerceu sobre Hogan um enorme fascínio, observando-se um afastamento progressivo da paisagem realista. Quase curiosamente desertas, só em algumas das suas paisagens aparecem elementos arquitectónicos, como pontes, aquedutos e casas rurais, sempre fechadas....O grau de elaboração das pinturas vai evoluíndo com um destaque progressivo de cores, planos e volumes.

Júlio Pomar – Gadanheiro, 1945 (Óleo sobre aglomerado, 122 x 83 cm, MNAC-MC)

Júlio Pomar, nascido em 1926, na altura do regime didatural Salazarista, assume claramente uma postura contrária ao mesmo, notória na sua produção deste período, vinculada á contestação política e social, fez da sua arte uma forma de intervenção na sociedade e na política. Tal como outros artistas da época, Júlio Pomar é influenciado por escritores que se impunham no panorama literário português. O momentâneo fortalecimento da oposição a salazar e uma temporária permeabilidade da censura promovem a entrada em Portugal de influências decorrentes da reconstrução cultural pós-guerra.Complementarmente as obras de artistas como Portinari e os grandes muralistas mexicanos - Orozco, Rivera e Siqueiros - encorajam os jovens artistas portugueses, como júlio Pomar, a fazer da sua arte um veículo de intervenção sócio-política.

Paula Rego (1935) Self-Portrait in red 1962 -óleo, lápis cera e colagem de papel sobre a tela

Paula Figueiroa Rego, nasceu em 1935 em Lisboa. Partiu em 1954 para frequentar a Slade School of Art em Londres. Casada com um inglês, tambem pintor Victor Eilling permaneceu em Inglaterra, onde fixou residência, desde 1976. "Pinto para dar uma face ao medo", oriunda de uma família da alta burguesia. Gestualista e espontânea, habituada a desenhar no chão, em contacto directo com os objectos da pintura, esta nova forma de vriar afasta-a do seu unierso infantil. A Arte Bruta vinha justufucar a sua necessidade de romper com o instituído e com a conformidade hipócrita que exalavam da ditadura de Salazar e da moral bafienta de uma religião com que não se identificava.

Vesperia

"Um Mundo, Vários Museus"- Museum Kampa

2009-07-04T13:10:00.303+01:00

Museum Kampa, é o museu de arte moderna em Praga, República Checa, cujo acervo e exposições focam maioritariamente arte da Europa Central e principalmente Checa. O acervo são da colecção privada de Meda Mladek, esposa de Jan V. Lladek. Foi no ultimo dia da minha viagem a Praga que foi visitar este espaço, que possui uma involvência muito agradável, rodeado pelo rio Vlatva e por uma série de jardins, que fazem lembrar os nossos jardins de Belém.

Conhecido por possuir uma colecção de arte contemporãnea de carácter algo excêntrica localizada nas margens do rio Vtava, alojado num antigo moinho, cujo nome provem de Vaclav Sova, seu proprietário original do sec XV. O edifício onde este museu está instalado tem sido renovado de forma magnífica ao longo dos tempos, passando por incêndios, inundações, etc...., e, é esta combinação de estilos renovados com a sua fachada de branco luminoso, que torna este museu uma delícia ao vários turistas e fotógrafos que visitam Praga. O "Velho Moínho" foi abandonado durante vários anos até Meda Mladek, um importante e famoso comerciante de arte, decidir tornar este velho edifício num museu. Meda Mladek e o seu marido, Jan Mladek, colecionaram e promoveram o movimento "underground" de arte contemporãnea da Europa Central e Oriental desde os anos 60, retratanto a cultura e o pensamente que emergia contra a cultura Comunista que tentou durante esses anos a repressão destas novas linhas de pensamento, criatividade ou seja a "Arte".

Meda Mladek dizia: " Se a Cultura da Nação sobreviver, logo sobrevive a nossa Nação"

Meda tornou este museu como um dos primeiros espaços culturais da Europa com uma explêndida colecção que vai desde Frantisek Kupka a Otto Gutfreund e a apresentações de arte bastante "Avant-Garde". Tal é a prova que ao longo dos tempos já teve exibições temporárias de enorme valor, Andy Warhol, Adela Matasova, etc...

Aqui está uma das mais vastas colecções de Frantisek Kupka, importante pintor Checo ( um dos meus favoritos), um dos mais importantes intervenientes e fundadores do "movimento de arte Abstracta", está exposto vários trabalhos de diferentes fazes da sua píntura, seus trabalhos iniciáis ( mais lúcidos e figurativos) até aos seus trabalhos mais maduros e puros do foro abstracto.

Ainda mais, os visitantes tem á sua disposição uma vasta colecção de "arte Cubista", representado pelo esculptor Checo Otto Guttfreund, esculpturas do seu período cubista, tal como, criações com origens expressionistas e suas esculpturas de realismo social.

A colecção vai desde artístas Checos, Eslovacos, Polacos, Húngaros, sociedades onde está bastante bem espelhado um grande número de trabalhos toldados, formulados, pelas várias emoções destes artistas perante o cenário político contorbado que se vívia na Europa face ao Comunismo, que tornou a vida de muitos difícil socialmente e até em alguns casos levando a condições precárias de vida.

No pátio central deste museu, é dedicado a algumas esculturas:

Várias fotos de Rene Roubicek - Glass Theatre/Comedia di Vetro, 2004:

Eva Kmentova, "Woman in the Sun"

Emilie Brzezinski, Titans 2003 Praga, encontra-se no exterior do museu.

Exibições Permanentes no Museu Kampa:

.The Central European Modern Art Collection:

Durante os anos 60, ela efectou uma série de viagens pela Checoslováquia e outros países da Europa Oriental e Central,, incluíndo Polónia, Húngria e Jugoslávia. Durante estas viagens, ela visitou vários artistas, comprando quadros, esculturas, desenhos e impressões para adicionar á já sua crescente colecção.

"Cracking Art Group - Re-evolution" (Nucara, Veronese, Angi, Rizzetti, Kicco, Sweetlove)

Jiří Načeradský, "Dva fotbaloví hráči" (Two football players), 1967

Jiří Načeradský, "Cyklisté" (Cyclists), 1971

Theodor Pištěk, "Rodinný portrét" (Family portrait), 1976

Rudolf Sikora, "Hrob pro Maleviče" (Gave for Maleviče), 1996-2001

Vladimír Kopecký, "Diagonála" (Diagonal), 1978-1981

De seguida vou dar o devido destaque a um dos artistas mais representados neste acervo:

Karel Nepras, esculptor checo, pertenceu as elite artística checa, seus trabalhos usam materiais industriáis criando esculpturas algo peculiares, usando fios, tubos, pedaços de metal e tubos de água, etc...Maior parte dos seus trabalhos, pinta estes mesmos materiáis de vermelho, numa alusão política. Artista este, tal como outros que possuem trabalhos no museu Kampa, fizeram parte do movimento de arte que na altura do comunismo demonstravam atravéz das obras o seu desacordo com esta ideologia e mentalidade que dominava a Europa Oriental na altura. Este trabalho é prova de isso mesmo.

Aqui estão esculpturas de outros artistas:

Aqui está uma das montagens que eu mais gostei, mostra a versatilidade da colecção. Ao me sentar nesta cadeira, vi o que melhor Praga pode fornecer,... "Um ponto de vista Único", uma experiência pluridisciplinar, com poderes inspiradores!!!

Magdalena Jetelova-Chair 2003

.....Uma cadeira no meio do Rio Vlatva, se não fosse Praga ninguem acreditava!

. The František Kupka and Otto Gutfreund Collection:

Fiquei maravilhado com a quantidade de obras deste pintor fabuloso, sendo sem dúvida uma das minhas referências artísticas....

Study for the Language of Verticals, 1911

Kupka Vertical and Diagonal Planes, ca. 1913–14

Frantisek Kupka, "Study 1920"

František Kupka, Striche, Flächen, Räume 1911-12. Oil on canvas. 32 x 24 cm

Frantisek Kupka (1871 -1957) Creation1911-20 Oil on Canvas

František Kupka, Femme cueillant des fleurs,1910-1911, 48x52 cm

Frantisek Kupka, 1911-30, Guache sobre papel, Museum KAmpa - Fundação de Jan e Mladek

Otto Gutfreund ( 1889-1927) foi um esculptor cubista Checoslováquio, sendo considerado que fez a primeira esculptura cubista : Anxiety ( Ùzkost em Checo) criada em 1911 e exibida em Paris em 1912. Artista que inevitavelmente efectou viagem para a capital da arte Paris, onde conheceu Auguste Rodin e descobriu arte mediaval, cidade esta que foi alvo de muitas visitas, onde nas mesmas conheceu nomes como Pablo Picasso, Juan Gris, Guillaume Apollinaire e Daniel-Henry Kahnweiler.Seus trabalho de 1920 são com formas realistas e exemplificam o pós-guerra " Return to order" regresso á ordem nas artes!! Executou muitos pequenos trabalho em cerâmica, tais como "O Trabalhador Textil" ( Textil worker ) 1921.

Kupka e Otto Gutfreund

Kupka " La Catedral" e Guttfreund

"Woman´s Head" 1912-13

"Girl Looking up" 1924

"Lutadores", Otto Gutfreund 1924

Informações Uteis:

Adultos: CZK220
Estudantes e Seniores:CZK110
Crianças até aos 6 anos: entrada gratuíta
Grupos Escolares: CZK75/Estudantes

Directório de Arte ( Junho)

2009-05-30T09:41:00.093+01:00

Os quadros mais caros de sempre:

1º - "Retrato de Adele Bloch-Bauer", Gustave Klimt 138 Milhões de Dólares
2º - "Muchacho con Pipa", Picasso 104,1 Milhões de Dólares em 2004
3º - "Dora Maar con Gato", Picasso 95 Milhões de Dólares, Abril de 2008
4º - "Doutor Gachet", Vicent Van Gogh, 82 Milhões de Dólares, Maio de 1990
5º - "Au Moulin de la Galette", Renoir 78,1 Milhões de Dólares Maio de 1990
6º - "A Matança dos Inocentes", Peter Paul Rubens, 76, 7 Milhões de dólares 2007
7º - "Auto-Retrato sem Barba" Van Gogh 71,5 Milhões de Dólares
8º - "Rideau", Paul Cézanne 60,5 Milhões de Dólares Maio de 1999
9º - "Mujer con los Brazoz Cruzados" Picasso, 55 Milhões de Dólares, Novembro de 2000
10º - "Lírios" Van Gogh 53,9 Milhões de Dólares em 1987

"Retrato de Adele Bloch-BAuer", Óleo e Ouro sobre Tela (138x138 cm)

Pintura de Gustave Klimt, comprado pelo magnata dos cosméticos Ronald S. Lauder que pagou 135 milhões de Dólares, cerca de 107 Milhões de Euros.

Óleo e Ouro sobre Tela ( 138x138 cm), de 1907: riqueza de detalhes inspirada em mosaicos bizantinos na obra mais cara do mundo. Acervo da Neue Galerie, Nova York.

Criticado pela alta dose de sensualidade de seu trabalho, Gustav Klimt ( 1862-1918) tornou-se um dos mais importantes pintores do mundo. Sua obra Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) foi vendida em junho à NEue Galerie, de Nova York, pelo mais alto preço já pago por uma pintura; 135 milhões de dólares. Confiscado pelo regime nazista em 1938, o quadro retornou este ano à família. Influenciada pelos mosaicos bizantinos de Ravena, na Itália, a obra é da fase dourada do pintor, a mesma de "O Beijo" (1908), símbolo da secessão vienense, que como a art nouveau, deu ênfase ao ornamental. Sob inspiração da escola impressionista, Klimt pintou também paisagens. Ele deixou vários quadros inacabados. Gustav Klimt nos século XIX-XX, espantou a Áustria com seus retratos sensuais de mulheres, foi também marcado pelo trabalho de outro vienense ousada: Sigmund Freud ( 1856-1939). O neurologista abriu em 1891 o consultório que ocuparia por quase meio século na capital austríaca. Ali surgiriam o termo psicanálise, o conceito de inconsciente e se começaria a falar da importância do prazer sexual durante toda a vida para se chegar ao desenvolvimento saudável. O assunto até então, era tabu. Klimt foi o segundo dos sete filhos de um cinzelador de metais preciosos, nasceu na pequena Baumgarten, perto de Viena. Aos 14 anos ingressou na Escola De Artes Decorativos da capital austríaca e aos 21 montou o seu estúdio. Pintou murais em vários prédios públicos, como o Teatro Municipal e o Museu Histórico da Arte de Viena. NUnca se casou, mas teve três filhos. Amava as mulheres, como se porde constatar em sua obra, que as mostra altivas e sensuais. Morreu em 1918 de derrame cerebral.....

"Garçon à la Pipe", Pintura a Óleo (100cm x 81.3cm) de Pablo Picasso

Quadro de Papblo Picasso, que em 2004 foi adquirido por 104,1 Milhões de Doláres.
Garçon à la Pipe (Boy with a Pipe), quadro de 1905 quando Picasso possuia 24 anos de idade, durante o seu período Rosa, quando se alojou na área de Montmartre ( Paris - França). Este quadro representa um rapaz Parisiense segurando uma pipa na sua mão esquerda.

"Dora Maar au Chat", Óleo 128.3 cm x 95.3 cm de Pablo Picasso

Quadro retrata Dora Maar, a amante do pintor, sentada numa cadeira com um pequeno gato aos seu ombros, 75,4 milhões de euros foi o preço a que foi leiloado em abril de 2008.
Dora Maar, a mulher que chora.............., foi uma fotógrafa, poeta e pintora Francesa Henriette Theodora Markovich, descendente de croatas. Doi a quarta das sete mulheres de Picasso, cuja relação demorou aproximadamente nove anos. Tornou-se famosa aos olhos do mundo por ser uma das amantes de picasso. Conheceu-a quando já tinha 50 anos, ainda casado com Marie-Thérése, e desde logo ficou fascinado por ela. Não era caso para menos....Senhora de um cabelo muito preto e olhos da mesma cor, era uma mulhe3r fascinante e seguramente a mais bela de todas as companheiras de Picasso- Dora MAar, a mulher que chora - os retratos que lhe pintou pura e simplesmente não fazesm jus á sua beleza. Mas Dora Maar, foi não só a mais bela como também a mais inteligente e a mais culta de todas. Foi uma fotógrafa talentosa que abraçou o Surrealismo sensivelmente na mesma altura do romance com Picasso embora a sua arte não se tenha esgotado aí. Teve uma vida longa e proficua e não merece ser lembrada como apenas (mais) uma das suas amantes.....
Foi um desconhecido, sentado ao canto da sala, arrematou numa quarta-feira à noite, no leilão da Sotheby's em Nova Iorque, a segunda pintura mais cara de sempre. Dora Maar com Gato, de Pablo Picasso, foi-lhe vendida por 95,2 milhões de dólares (75,376 milhões de euros).

Propriedade dos Gidwitz de Chicago, conta o The New York Times, o retrato da artista e amante de Picasso foi pintado em 1941 e tinha uma base de licitação de 50 milhões de dólares. A leiloeira garantira à família 53 milhões, independentemente do resultado da venda.
O retrato ocupa agora o segundo lugar no ranking, depois de Rapaz com Cachimbo (1905), também do pintor espanhol, ter atingido 104,1 milhões de dólares (85,5 milhões de euros ao câmbio de então) na venda da colecção Whitney, feita pela Sotheby's há precisamente dois anos. Em terceiro lugar está Retrato do Dr.Gachet (1890), de Van Gogh, que a Christie's vendeu em 1990 por 82,5 milhões de dólares.
Dora Maar com Gato, acrescenta o El País, foi autenticado pela filha do artista, Maya Widmaier Picasso. O seu interesse reside não só na qualidade da composição e nas dimensões (130x97 centímetros) como no facto de não aparecer no mercado há mais de 40 anos.
A obra pertencia à família de Ron Gidwitz, filho do fundador dos cosméticos Helen Curtis, homem de negócios bem sucedido e derrotado nas primárias republicanas para a corrida ao cargo de governador.
Ainda segundo o The New York Times, o misterioso comprador - que "soava a russo", disseram várias testemunhas - adquiriu igualmente Perto de Monte-Carlo, uma marinha de Monet de 1883 (por quatro milhões de euros) e Paraíso, de Chagall (dois milhões de euros).
Neste leilão foi quebrado o recorde de Matisse, com um Nu Reclinado de 1927 arrematado, ao telefone, por 14,5 milhões de euros. Harlequim com Bastão (1969), de Picasso, atingiu quase oito milhões de euros. E o Museu Metropolitan, de Nova Iorque, vendeu outro Picasso, Mulher Sentada em Cadeirão (1960), por 5,3 milhões de euros. A aguarela Telhados (1882), de Van Gogh, foi transaccionada por 3,7 milhões de euros, e Flores e Frutos (1889), de Renoir, por 2,2 milhões de euros.

"Retrato de Dr. Gachet", Óleo em tela de Vicent Van Gogh 67 x 56 cm 1890

Longe de ser o meu favorito, este está avaliado em qualquer coisa como 129,7 milhões de dolares, em 1990 custou 82.5 Milhões de Dólares. A história deste quadro tem o retrato do Dr.Gachet, especialista em doenças do coração de Auvers-sus-Oise recomendado ao irmão pelo pintor Pissarro, Van Gogh gostava do homem, que era tambem colecionador de arte e artista amador. O retrato do médico pintado por Van Gogh é um impressionante estudo deste homem melancólico, cuja expressão, disse o pintor, poderia parecer uma careta para muita gente que visse a tela, mas ele sabia ser a de uma alma triste mas gentil, estimada e inteligente. Nâo se trata de um retrato por semelhança "fotográfica", mas sim de uma imagem impetuosa, recorrendo á cor como meio de expressão e como forma de engrandecer o carácter, procurando penetrar psicologicamente para revelar a alma do retrato. Esta obra encontra-se no Musèe d´Orsay.

Dizia o próprio Van Gogh: " Estou a trabalhar no seu retrato; usa um boné branco, é muito loiro, muito claro, mesmo a pele das suas mãos é muito rosada; veste um casaco azul; o fundo é Azul-Cobalto; está apoiado numa mesa vermelha"

"Le Bal du Moulin de la Galette", Pierre-Auguste Renoir, Óleo sobre tela, 131 x 175 cm, Museu de Orsay Paris

78.1 Milhões de Dólares em Maio de 1990
É uma píntura realizada a óleo sobre tela e 1876, pelo impressionista françês Renoir, consagrada com um marco da pintura impressionista. O quadro foi pintado em Paris, em Montmartre, e tem como tema, um bem frequente na pintura impressionista e que, aliás, está na base do movimento: o quotidiano burguês. Esta pintura é, indubitavelmente, a mais célebre e significativa obra de Renoir. Foi exibida pela primeira vez no SAlon em 1877, na exposição dos impressionistas. Ainda que o rosto de alguns dos seus amigos apareçam na imagem, a internção de Renoir era captar a vivacidade e a atmosfera alegre desta popular dança de jardim no Butte Montmartre, nas imediações do Moulin, hoje celebrizado pela tela. O estudo da multidão em movimento, a inclusão lumínica natural e artificial e outros efeitos, foram concretizados um tanto desfocada da cena, capta algumas críticas negativas desde o seu tempo até á actualidade. A Interpretação da vida popular parisiense, com o seu estilo inovador e formato imponente, assina a ambição artística de Renoir. A descontração das personagens, a sombra imposta pela copa das árvores, os resquícios de luz natural que recaem sobre os vestidos das senhoras e os chapéus dos senhores em primeiro plano, e tantos outros elementos neste quadro, tornam-nonuma das prinicipais obras-primas do Impressionismo.

A Obra foi adquirida por Gustave Caillebotte que a deixou ao estado francês, juntamente com toda a sua colecção. Porém, Renoir fez uma pequena cópia desta tela, que se tornou numa das telas mais caras alguma vez vendidas.

"O Massacre dos Inocentes", Óleo sobre Madeira, 1636-1638, Alte Pinakothek Munique, Alemanha

O artista barroco Peter Paul Rubens, com a Matança dos Inocentes, vendida em julho de 2002 por 60.176.177.81 euros, retrata uma cena biblica com muito influência Rococo.
PEter PAul Rubens ( 1577-1640) foi um pinto flamengo inserido no contexto do Barroco. Com ínfimos pormenores e minuciosos detalhes contemplou Rubens a maioria das suas pinturas. Cenas Bíblicas como esta foram retratadas pormenorizadamente pelo criador maior do rococó. O terrivel massacre relatado por São Mateus é uma das mais tardias obras-primas de Rubens. A acção desenrola-se entre três distintos grupos e uma mística figura central, sem grupo defenida.

Auto-Retrato Van Gogh

Vendido em 1998, sendo o valor da venda 71 Milhões deDólares ( valor corrigido 94.6 Milhões de Dólares). Vicent fez vários auto-retratos, mais de 30, este trata-se do seu último auto-retrato feito pelo artista, quando ele se recuperava de um surto psicótico num asílio em Ste.Rémy, no sul da França. O quadro foi oferecido á sua mãe, Anna Cornelia van Gogh pelo aniversário de 70 anos. Além de retratar-se sem barba, ele o fez com uma expressão mais serena, como que quisesse passar um atestado de sanidade mental para a mãe. O pintor holandês entrou na história como um herói romântico, um gênio torturado e incompreendido em seu tempo. O auto-retrato sem barba de 1889 entra para a galeria dos quadros mais caros do mundo.

Neste auto-retrato produzido em Saint-Rémy durante o pior período de seu tratamento. Van Gogh expressa a mudança pela qual passava, os tons baços de sua solidão substituindo cores intensamente ensolaradas de de seus quadros anteriores. Este foi vendido pela Chistie´s por 71,5 milhões de dólares em novembro de 1998. Arrematado por um colecionador que preferiu ficar no anonimato. O lance vitorioso foi feito por telefone para a casa de leilão

"Rideau, Cruchon et Compotier", 1893 obra de Paul Cézanne 60.5 Milhões de dólares em Maio de 1999, 60 x 73cm

"Mujer con los brazos cruzados" Pablo Picasso

Em Novembro de 2000 custou 55 Milhões de Dólares . O artista como anteriormente referido nunca se cansou de retratá-las sem suas obras. Sua vida amorosa era farta e criativa. Dividida entre a fotógrafa Dora Maar e a sempre regra três MArie-Thérése Walter. Em 1942, trocou Dora Maar por Françoise Gilot, 19 anos mais jovem que ele. Como no final dos anos 20 e meados dos anos 30, a sua preferida era Marie Thérése, foi a fonte de inspiração para a tela "O Sonho", que actualmente ocupa a 10 posição nos quadros mais caros do mundo. Píntura da fase azul, caracterizam-se, não só pelos tons monocromáticos, mas também por abordar temas sobre a pobresa, religião, sexo e morte.

Lírios, Van Gogh

Preço de 53,9 Milhões de Dólares em Novembro de 1987

Este quadro encerra a lista dos dez mais caros

" Um Mundo, Vários Museus "- Musée d'Orsay

2009-05-24T16:18:00.215+01:00

O Museu de Orsay ( musée d`orsay em francês) é um museu na cidade de Paris. Situa-se na margem esquerda do rio Sena no VII arrondissement. As colecções do museu apresentam pínturas e esculturas da arte ocidental do período compreendido entre 1848 e 1914. Entre outras, estão aí presentes obras de Van Gogh, Monet, Degas, Maurice Denis, Odilon Redon.

O facto deste Museu ter sido instalado numa antiga estação de comboio parece que foram feitos um para o outro, devido á beleza da mesma, a maneira como a luz se propaga devido ao tecto vidro que foi preservado da antiga estação, tal como o seu relógio. È uma experiência emocionante ir percorrendo todo este imenso espaço com um "pé-alto enorme", contornando as magnificas esculturas

História:

O Edífício, que actualmente alberga o museu, era originalmente uma estação ferroviária, Gare de Orsay, construída para o Chemin de Fer de Paris à Orléans. Foi inaugurado em 1898, a tempo da Exposição Universal de 1900. O projecto foi do arquitecto Victour Laloux. Em 1939, deixou de ser o terminal da linha que ligava Paris a Orleães devido ao comprimento reduzido do cais, passsando a ser apenas uma estação da rede suburbana de caminhos de ferro; e mais tarde, durante a segunda guerra mundial serviu de centro de correios. A estação foi fechada a 1 de Janeiro de 1973.Em 1977, o Governo Francês decidiu transformar o espaço num museu. Foi inaugurado pelo presidente de então, François Mitterrand, a 1 de Dezembro de 1986. Os Arquitectos Renaud Bardon, Pierre Colboc e Jean-Paul Philippon foram os responsáveis pela adaptação.

As Colecções do museu provêm essencialmente de três locais:
. do museu do Louvre, as obras de artistas nascidos a partir de 1820, ou que tenham emergido no mundo da arte com a Segunda República;
. do museu Jen de Paume, as obras impressionistas desde 1947;
. do Museu de arte moderna de Paris, as obras mais recentes.

Estas colecções abrangem várias vertentes das artes plásticas tais como a pintura, a escultura, a fotografia entre outras.

Vários pintores se encontram representados no acervo deste museu deixo aqui alguns nomes Pierre Bonnard, Eugène Boudin, Gustave Caillebotte, Paul Cézanne, Camille Corot, Gustave Courbet, Honoré Daumier, Edgar Degas, Eugène Delacroix, Henri Fantin-Latour, Antoni Gaudí, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Hector Guimard, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Gustav Klimt, Édouard Manet, Henri Matisse, Jean-François Millet, Piet Mondrian, Claude Monet, Gustave Moreau, Berthe Morisot, Edvard Munch, Nadar, Camille Pissarro, Pierre Puvis de Chavannes, Pierre-Auguste Renoir, Auguste Rodin, le douanier Rousseau, Paul Sérusier, Georges Seurat, Paul Signac, Alfred Sisley, Henri de Toulouse-Lautrec, James McNeill Whistler

E agora vários escultores François Rude, Jules Cavelier, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Rodin, Paul Gauguin, Camille Claudel and Honoré Daumier

O museu de Orsay abriga a maior coleccção de impressionista, além de apresentar todas as manifestações artísticas ( arquitectura, pintura, escultura, fotografia, etc….) compreendidas entre 1848 e 1914. O público conhece também o singular carácter do edifício: uma estação de comboio inaugurada dia 14 de Julho de 1900 no quadro da Exposição Universal.O Orsay representou, desde o início, um duplo desafio: arquitetônico em primeiro lugar, porque ninguém jamais transformou uma estação em museu; museográfico em seguida, porque se tratava de reunir e apresentar em um único lugar todos os aspectos de uma época ainda muito pouco conhecida compreendendo um curto espaço de tempo (sessenta anos) e de uma criação artística abundante com ramificações em todas as direções: pintura, música, artes gráficas, arquitetura, fotografia, artes decorativas, música e cinema.

Uma metamorfose arquitetônica:

Da estação ao museu, o percurso foi longo, pitoresco e cheio de armadilhas. Construída em Paris no final do século passado pelo arquiteto Victor Laloux, a estação de Orsay havia sido inaugurada em 14 de julho de 1900, por ocasião da Exposição Universal. Organizada em torno de estruturas metálicas mascaradas por uma fachada de pedras talhadas, ela era a primeira estação criada em função da tração elétrica. Mas, quarenta anos mais tarde, suas plataformas haviam-se tornado curtas demais e progressivamente a estação foi sendo abandonada.

Grande nau abandonada, a estação no entanto inspirou os criadores: em 1962 Orson Welles rodou ali O Processo, do romance de Kafka, e a companhia teatral Renaud-Barrault instalou nela seu capitel, em 1972. Sua classificação em 1978 como monumento histórico salvou-a da demolição. Sem dúvida, esse admirável testemunho de uma arquitetura de ferro de outras épocas foi beneficiado pelos protestos suscitados pela destruição em 1971 dos antigos HalIes de Paris, em vista da construção do Centro Georges-Pompidou.

Para a direção dos Museus da França, que procurava um novo local para suas coleções de impressionistas e pós-impressionistas, muito comprimidas no Museu do Jeu de Paume, o Orsay, situado às margens do Sena e quase em frente ao Louvre, era o local ideal. Em 1977, a decisão de dedicar a estação e seu hotel de luxo à arte da segunda metade do século XIX e no início do XX foi tomada pelo presidente Valéry Giscard d’Estaing, confirmada em 1981 por seu sucessor, François Mitterrand.

Uma equipe de três arquitetos franceses, sob a orientação da italiana Gae Aulenti, encarregada em 1981 da reforma interna do museu e de todo seu mobiliário, aceitou o enorme desafio de transformar a estação em museu, inaugurado com grande pompa em 1o de dezembro de 1986.
A surpresa foi enorme quando surgiu a imensa nave de Laloux, cujo comprimento - 138 metros - por 32 de altura e 40 de largura, ultrapassa o da Notre-Dame de Paris. Foram suas dimensões excepcionais que permitiram a transformação radical do museu, corno explicou Françoise Cachin, primeira mulher a dirigir um museu dessa importância e que iria se tornar em 1994 diretora dos Museus da França. O Orsay seria "uma plataforma internacional das artes do século XIX", "um grande museu de época, mais do que um simples museu de arte. Sem o edifício, um intento dessa amplitude não teria sido concebido".

Fabulosa amplitude, de fato, porque embora a coleção dos impressionistas que atravessou o Sena continue sendo a rainha do museu, irradiante sob a luz zenital do terceiro andar, numericamente ela representa apenas uma pequena parte de seu acervo. Para constituir e enriquecer as coleções do Orsay, fez-se urna exploração das reservas do Louvre e do antigo Museu de Arte Moderna, desempoeirando obras esquecidas há décadas - inclusive os "bombeiros*" tão depreciados - e contou-se com numerosas doações e uma activa política de compras abrangendo todas as artes do século XIX na França, na Europa e até nos Estados Unidos.

Mas, na realidade, onde começa "a arte do século XIX"? A pergunta agita muito o mundo dos museus, e quando a data de 1848 (Revolução e advento da IIª República) foi finalmente escolhida pelo presidente François Mitterrand, os conservadores do Louvre soltaram um "ufa" de alívio: eles poderiam ficar com suas grandes telas de Delacroix! Quanto ao final do percurso, no que diz respeito à pintura ele está situado em 1904, com o magnífico Luxe, Calme et Volupté de Matisse, o restante continuando a ser atributo do Museu de Arte Moderna do Centro Georges-Pompidou. Mas, para o mobiliário e os objetos de arte (mais a fotografia, o cinema e a música), foi escolhida a data de 1914, o que permitiu a apresentação de uma soberba coleção de Art Nouveau, francesa e estrangeira.

Inovações importantes marcaram a concepção do Museu de Orsay: em primeiro lugar o espaço considerável cedido à escultura, suntuosamente instalada no térreo da grande nave central e em outras salas do nível intermediário, criado a cinco metros do solo. Em seguida, a criação de um departamento de fotografia muito desenvolvido e o surgimento, nesse panorama pluridisciplinar das artes do século XIX, do cinema e da música.

Logo que foi inaugurado, o Orsay suscitou inflamadas críticas. Gae Aulenti foi acusada de haver concebido uma necrópole faraônica e os conservadores de haver mesclado o melhor e o pior. Mas o público fez outro julgamento: 4 milhões de visitantes por ano nos dois primeiros anos, número que caiu entretanto com a abertura do Grand Louvre chegando, apesar de um "pico" de 3,3 milhões em 1993, ano da apresentação de Barnes, a 2,3 milhões em 1995.

Dezoito exposições temporárias apresentadas em dez anos (inclusive as dedicadas ao norueguês Edvard Munch, ao americano Whistler ou ainda à "Europa dos pintores") permitiram principalmente que fossem apreciadas as escolas estrangeiras mal conhecidas do grande público. O Orsay também especializou-se na apresentação de pequenas "exposições-dossiês" onde se destaca a vocação documentária e histórica do museu.

O Orsay pode tambem orgulhar-se de ter sido o primeiro museu a ser dotado de um serviço cultural encarregado de fazer a ligação entre o público e as obras, com um esforço particular em relação á recepção aos jovens e um lugar importante para o audiovisual, bem como para as novas tecnologias da informação.

O acervo do Museu de Orsay:

As colecções do Orsay compreendem 3.000 pinturas, 360 pastéis, 10.000 desenhos, 14.000 projetos arquitetônicos, 2.400 esculturas, 1.300 móveis e objetos de arte e 31.000 fotografias. Entre as obras primas mais conhecidas do museu estão:

"Déjeuner sur l’Herbe", O Almoço sobre a relva ou O piquenique no bosque, óleo sobre tela de Édouard Manet, pintado entre 1862 e 1863, 208 x 264,5 cm. Mostra uma modelo nua em posição provocatória e sensual, este quadro provocou o escândalo da sociedade mais conservadora, quando da sua exibição.
"Olympia", óleo sobre tela de Èdouard Manet 1832-1883, pintada em 1863 mas só apresentada ao público em 1865, causou reações contrárias mais fortes que "Almoço na relva". Era um retrato de uma prostituta nua e havia uma referência audaciosa à obra de Ticiano ( Vênus de Urbino). A modelo novamente foi Victorine Meurent retratada nua e ao seus pés um gato negro ao invés de um cachorro como no quadro de Ticiano. Em uma atmosfera rótica havia também falta de perspectiva.

"Enterrement à Ornans", óleo sobre tela, 315 cm x 660 cm, Gustave Courbet, pintado em 1851, em que está representado o funeral do tio-avõ de Courbert´s, exibido em 1851 no "Paris Salon" criando uma reacção explosiva e trouxe Courbet para a fama instantânea.

"Atelier de Coubert", no "O Atelier do Artista", este foi o quadro mais ambicioso de Courbet, o seu maior "testamento" onde mostra que nunca gostou dos arranjos convencionais, com as figuras cuidadosamente inseridas numa disposição ilusória, e unindo seus conhecimentos de equilíbrio e unidade total da tela, o artista consegui criar uma composição inovadora utilizando-se de sua habilidade no tratamento da luz e da sombra.

"La Famille Belleli", Edgar Degas (1834-1917), 200 cm x 250cm, impressionista françês, conhecido por ser um mestre no desenho de figuras humanas em movimento. Degas sempre trabalhou em varios meios, preferindo pastel. È o pintor mais conhecido com os temas das bailarinas ( por vezes em esculturas) e cavalos. Seu trabalho focou-se no movimento e expressão e a harmonia da linha do desenho e o seu contorno.

"La Danseuse Habillée" escultura de Degas

"La Femme à la Cafetière", a modelo de este quadro ainda não foi a 100% confirmado por provas, mas é provavelmente uma das empregadas de Jas de Bouffan, sua casa de família perto de Aix en Provence. Cézanne utilizou poucos modelos profissionais, preferindo sempre utilizar membros da sua família ou outras pessoas do seu ciclo de amigos.

"La Pie", Claude Monet (1840-1925), o fundador do Impressionismo, um dos mais influentes pintores de paisagens na história da arte

"Le Moulin de La Galette", Pierre-Auguste Renoir, óleo em Tela, 131 x 175 cm, é um moinho situado perto do topo do distrito de Montmartre, tendo sido esta área altamente retratada por outros varios artistas, tais como Henri de Toulouse-Lautrec, Ramon Casas, Vincent van Gogh e Pablo Picasso. Este moinho foi considerado museu desde 1939.

"L‘Arlésienne", Vincent van Gogh, retrato de Madame Ginoux, foi o título de seis quadros deste artista.

"Le Cirque", 1891, óleo sobre Tela, 1891 cm x 150 cm, obra de Georges Seurat. Este é sem duvida o trabalho de Seurat de estilo mais barroco. A tela inacabada é composto de circulos, espiráis e elipses. Seurat gostava de novelas dos Irmãos Goncourt, e aqui neste quadro dá uma cisão do circo "Frères Zemgano".

"La Mère de Whistler", James Abbott Neill Whistler, pintor americano, 1834-1903, pintura a óleo de 1871, 144.3 x 156.5cm

"The Wheel of Fortune", Sir Edward Burne-Jones 1833-1898, quadro de 1875 a 1883, Tela a óleo, pintor Inglês, designer e ilustrador, nasceu em Birmincham. Treinado por Dante Gabriel Rossetti Pre-Rafael, movimento que queria restaurar a arte a sua forma mais pura, estilização, inspirado por art e quadros mediavais ( temas bíblicos, e sempre marcado pelo estilo romantizado)

" L`Âge Mur", A Idade Madura 1902, Camille Claudel 1902, fantástica escultura desta artísta que foi amante e aprendiz que Rodin. Camille Claudel deixou a sua família pelo amor de Rodin, ela trabalho varios anos ao serviço do seu mestre e mantendo-se á custa de suas próprias criações. Inflelizmente esta história não teve um fim feliz, acabando Camille a ser internada num manicómio onde este internada mais de 30 anos onde morreu. Representa uma alegoria ao Homem deixando a sua juventude e sendo carregado pela "Morte", "Homem" que se encontra em cima da "onda da vida". Este trabalho por vezes pode ser visto como autobiográfico, representando o triângulo em que o homem é Rodin, a jovem mulher implorando de forma humilhante de joelhos é Camille, e a mulher mais velha é Rose Beuret, representando com este cenário a separação de Claudel com Rodin.

"Hercules Killing the Birds of LAke Stymphalis" 1909, estátua em broze de Emile Antoine Bourdelle 1861-1929, Escultor expressionista de nacionalidade Francesa, alem desta existem mais 2 destas obras muito semelhantes, uma no Metropolitan Museum of New York e outra em Los Angeles. Auguste Rodin tornou-se um grande admirador do seu trabalho e em 1983 tornou-se em seu assistente.

"Walking man", August Rodin 1900

Vicent Van Gogh no Museu Orsay:

"Procura compreender o que dizem os artistas nas suas obras-primas, os mestres séries.Aí está Deus"

Van Gogh

Vincent van Gogh, Setembro de 1889, óleo em tela, 50.5x74 cm ( sendo esta a 3ºversão; A 1º versão Quarto em Arles encontra no Museu van Gogh em Amesterdão, 2º versão encontra-se no Instituto de Artes de Chicago ). Quadro Impressionista holandês, sendo esta uma das obras mais conhecidas do mundo. Este retrata o quarto que o artista alugou na "casa amarela", na cidade de Ales, na França, país onde trabalhou durante quase toda a sua existência. Pintou a obra mais de duas vezes, cerca de um ano depois, enquanto estava internado no hosício de Saint-Rémy-de-Provence. A 3 versão que é a deste museu, difere do original pelo uso de tons mais azuis que o original, redução de ênfase das fendas no assoalho, bem como diferenlas em dois porta-retratos nas paredes.

“Noon: Rest from Work (After Millet)” 1889-90, Musee d’Orsay, Paris

" A Igreja de Auvers", Vicent van Gogh 1890, óleo em tela, 74 x 94 cm

Resultou também em um grande quadro da igreja da aldeia, no qual aparece o edifício violeta, em frente a um céu liso, azul profundo de puro colorido; os vitrais em cor são como manchas de ultramarino, o telhado é violeta e en parte laranja. No primeiro plano algo de verde viçoso e areia em tom rosa batida pelo sol. è quase como os estudos que fiz em Nuenen da velha torre e cemitério, só que a cor agora é mais expressiva e rica" ......Vicente van Gogh

A Igreja de Auvers retratada nesta obra, foi terminada em 5 de junho de 1890. Depois de Van gogh deixa o hospital de SAint-Rémy-de-Provence em 16 de maio de 1890, abandona o sul da França e dirige-se ao norte. Faz uma visita ao irmão Theo van Gogh em París e depois ruma a Auvers-sur-Oise, a conselho de seu amigo Camille Pissarro, a fim de tratar-se com um médico e pintor amador Paul Gachet. Em auvers van Gogh, passou as suas últimas dez semanas de vida e onde produziu intensamente.

Auto-retrato, pintado no outono de 1887 em Paris

"The Italian Women", óleo sobre Tela, 81 x 60 cm; Retrata Agostina Segatori

Vicent Van Gogh nasceu em 30 de Março de 1853, em Grootzundest, Holanda, e faleceu em 27 de julho de 1890, na França. A guinada na sua vida 1880, abandonou suas buscas religiosas e devotou-se exclusivamente a pintar os mineiros de Borinage, na Bélgica. Théo, seu irmão, passou a sustentá-lo, tendo essa situação se mantido até o fim da sua vida. Após a morte de seu pai em Março, Van Gogh continou com seu trabalho e, no início da primaver pintou sua famosa tela, The Potato Eaters (1885) que se encontra no Museu Van Gogh em Amesterdão. Em 1886 foi a Paris para encontrar-se com Théo que estava trabalhando numa gaeria de arte em Montmatre. Seu irmão apresentou-o aos impressionistas: Monet, Renoir, Pissarro, Degas e Seurat. Nesse mesmo ano veio a conhecer Gauguin.

" Vessels, Basket and Fruit", óleo em tela, Cezanne

Cezanne

Cezanne

"Peasant Women", óleo sobre Tela 66 x 92.5 cm, Paul Gauguin

"Roses under the Trees", 1905, óleo sobre tela 110 x 110 cm, Gustav Klimt

Charles Guilloux (1866-1946), "Twilight", 1892, Oil on canvas - 32 x 46 cm

É um dos pintores de paisagens menos conhecidos do estilo do simbolismo

Informações Uteis:

O Museu fica aberto: 9:30 ás 18:00h

Às 5º Feiras de 9:30 ás 21:45h e fechado ás 2º Feiras

Bilhete, 7.50 Euros, grátis para indivíduos com menos de 18 anos

" 107 Cores e 5 Pínceis"

2009-05-24T16:18:00.023+01:00

Pintura a Óleo e Spray, 50x130 Maio de 2009
(CLICAR NAS FOTOS PARA AUMENTAR)

Pormenores

" Um Mundo, Vários Museus " - Centre National d'Art et de Culture Georges-Pompidou

2009-03-28T09:23:00.084Z

Atlelier Brancusi, Musée national d`art Moderne

O "Centre National d'Art et de Culture Georges-Pompidou" localiza-se na Praça Beaubourg, próximo de Les Halles, no coração do Marais, um dos bairros históricos do centro de Paris. Constitui um edifício plurifuncional com vocação cultural e reúne, para além de um museu de arte moderna, uma biblioteca pública, um centro audiovisual com auditório e uma grande área para exposições temporárias. Foi patrocinado pelo Estado Francês e tinha como objectivo a criação de uma instituição voltada para o grande público. O concurso público para selecção da equipa projectista, aberto em 1971, teve como vencedores a dupla formada pelos arquitectos Renzo Piano (1937-) e Richard Rogers que apresentaram uma proposta que se fundamentava em dois princípios: sofisticação tecnológica e flexibilidade espacial.

O edifício foi desenhado como um grande armazém com vários pisos suportados por uma superestrutura metálica, formando um esqueleto exterior o que liberta as lages de qualquer ocupação e permite que as fachadas se tornem integralmente transparentes. As grandes vigas pré-fabricadas têm um espaçamento de treze metros e vencem um vão de quarenta e oito metros. Uma praça fronteira ao edifício prolonga as suas funções e vivências. Todos os elementos construtivos exteriores foram dotados de um código cromático identificador: as escadas e os elevadores são vermelhos, os tubos de ar condicionado azuis, a rede de água verde e os sistemas eléctricos amarelos. Estas tubagens mantêm-se aparentes e definem-se como elementos ornamentais, tornando-se particularmente expressivas na fachada nascente.

O lado oposto do edifício é dominado pelo longo cilindro transparente suspenso que contém as escadas rolantes e permite em simultâneo uma vista espectacular da cidade. Tipologica e conceptualmente, o Centro Georges Pompidou deriva dos grandes edifícios expositivos do século XIX, em forma de caixas de ferro e vidro que contêm espaços universais capazes de acolher todo o tipo de actividades, oscilando entre o contentor neutro e a gigantesca máquina cultural dotada de significativa musculatura e de infinita flexibilidade funcional. Revelou-se, com o uso, que esta flexibilidade era excessiva e respondia de forma difícil à especificidade funcional que era a de conter obras de arte, o que obrigou à construção de um novo edifício no interior por forma a garantir-se superfície mural suficiente para colocar as obras de arte. Outro dos aspectos mais criticados nos primeiros anos de vida deste edifício foi a sua indiferença em relação à envolvente próxima e a neutralidade e abstracção da sua imagem exterior que se revelava incapaz de representabilidade institucional. Apesar disso, o Centro Georges Pompidou foi rapidamente adoptado como local de visita pela população parisiense e pelos inúmeros turistas que passam pela capital e transformou-se num centro difusor da cultura contemporânea extremamente activo e num dos edifícios mais visitados de Paris. Um dos segredos do seu sucesso popular foi sem dúvida o carácter sensacionalista e apelativo da sua arquitectura.

A nivel da colecção, foi a melhor que já vi, claramente virado para os artistas do seculo XX, que invariavelmente percorre todos os meus pintores favoritos, inclusive foi surpreendido ao encontrar dois dos meus quadros favoritos, obras que sempre me marcaram! Nada melhor que mostrar algumas fotos quando falamos de arte.

Francis Picabia - "Udnie" (1913)

Francis-Marie Martinez Picabia ( 1879-1953) : pintor e escritor francês, forte influência do impressionismo e do fauvismo ( simplificação das formas, o primado das cores, e uma elevada redução do nível de graduação das cores utilizadas nas obras). Esteve vinculado ao cubismo e foi membro do grupo "Puteux", onde conheceu os irmãos Duchamp. Suas primeiras pinturas cubistas, eram muito próximas de Léger do que de Picasso, são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas, até que por volta 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo, de índole satírica. Depois de 1927, abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana, com a superposição de formas lineares e transparentes. Homem rico, rebelde, extravagante, pintor e poeta muito imaginativo, Picabia foi um grande comunicador, das vanguardas que surgiram no decorrer das primeiras décadas do século XX. Seu pai era descendente de uma rica familia espanhola exilada em Cuba e sua mãe pertencente á burguedia parisiense. Mente singularideal, começou com as paisagens que marcam a sua ruptura com Pissaro e Sisley e avança pelos retratos de imitação ou reprodução já completamente desordenados e originais. Picabia utiliza o que lhe cai nas mãos: revistas, fotos, objectos, frases, imagens nobres e infames, figuras mitológicas, coisas da moda e da memória.

Para ver e compreender a obra de um gênio como Francis Picabia é preciso esquecer o que se aprendeu. Mesmo que quase tudo seja pintura na enorme retrospectiva que lhe dedica o Museu de Arte Moderna de Paris até 16 de março, não é a “boa pintura” que se encontra ali. Impressionista, orfista, dadaísta, figurativo, abstrato, poeta, romancista, crítico, polemista, diretor de revista, roteirista, cenógrafo, realizador de balés, festas e performances, Picabia, que utilizou ainda o cinema e a fotografia, foi antes de tudo um “antipintor” que precocemente previu a crise da arte.
No entanto, para revelar a aventura ardente e ao mesmo tempo cética do múltiplo e excêntrico artista francês, amigo de Marcel Duchamp antes ainda da primeira guerra, não há outra maneira senão uma exposição ajuizada e cronológica como esta. Também não é possível mostrar a totalidade do que ele produziu, cerca de mil telas apenas em seu período impressionista de 1902 até 1912. Excessivo em tudo, na pintura, no verbo, no amor, Picabia – que nunca se levou realmente a sério – foi um dos talentos mais fecundos e complexos do século 20.
O percurso da mostra, que se chama Francis Picabia, Singular Ideal, começa com as paisagens que marcam a sua ruptura com Pissaro e Sisley e avança pelos retratos de imitação ou de reprodução já completamente desordenados e originais. Tudo é simultâneo, livre e recorrente. Como as suas espanholas com o xale e o pente, que voltam em todas as épocas. Picabia utiliza o que lhe cai nas mãos: revistas, fotos, objetos, frases, imagens nobres e infames, figuras mitológicas, coisas da moda e da memória. Concebe uma pintura que retraça todos os seus desejos e pensamentos por mais absurdos que possam parecer.
A mecânica mental do artista torna-se por um triz indecifrável e mesmo perturbadora, pois, às vezes, alia a graça e a elegância a uma espécie de perversidade quase criminosa. Como Duchamp, ele desmonta todas as aparências. Único artista europeu a participar do famoso Armory Show de 1913 em Nova York, declarou à imprensa americana: “Não pinto o que meus olhos vêem. Pinto o que vê o meu espírito, a minha alma.”
Foi depois da experiência americana que Francis Picabia iniciou o seu período das máquinas no qual ele desenvolveu desenhos com morfologias de rodas, engrenagens, bombas e compressores combinadas com textos e pensamentos. Apaixonado pela iconografia de aparelhos e instrumentos, mundano e grande apreciador de mulheres e automóveis, ele já havia passado pela guerra e se tornado um dadaísta convicto.
Aqui, para a nossa tortura mental, entram pinturas absolutamente conceituais como a sua assinatura transformada em obra, o quadro L'Öil cacodylate assinado por todos os amigos que passavam em seu ateliê e até mesmo os trabalhos kitsch com nus roubados das revistas Paris Plaisir ou Paris Sex Appeal. Centenas de publicações, aforismos, escritos, caligramas estão entre as séries pictóricas realizadas nos anos 20 e 30. Mas Picabia também verte nas telas muitas coisas sombrias e patéticas onde a morte é onipresente. E não poderia ser de outra maneira: o que está cheio de vida carrega igualmente o seu fim.
Da mesma forma como acontece com muitos artistas, no final Picabia chega à gravidade e à profundidade do monocromo. Não o monocromo puro, mas recoberto por pequenas manchas e pontos onde a realidade não é mediada pois a pintura torna-se ela mesma uma nova realidade que não pode ser avaliada em termos formais ou simplesmente pictóricos.
Não nos surpreende que este caminho extraordinário, que debuta no final do século 19 e se finda em 1953 com a sua morte, tenha influenciado tantos artistas contemporâneos. A sua ressurreição começou já no início dos anos 70 e em 1976 o Centro George Pompidou lhe consagrou uma retrospectiva. Até então, era conhecido apenas o Picabia gozador, audacioso e irreverente, o dadaísta amigo de Duchamp, autor de revistas hilariantes e inventor das não menos engraçadas discordâncias com André Breton.
Há duas décadas, contudo, é o pintor que reaparece colocando a luz sobre a mistura de referências e culturas que encontramos no neoexpressionismo ou na transvanguarda. Ele aparece no momento em que o minimalismo e a arte conceitual perdem autoridade e em que as noções de materialidade e sensualidade tornam-se novamente aceitáveis depois de uma década de proibição. Basta lembrar de Julian Schnabel, David Salle ou ler o que escreveram sobre ele Christo, Dietman, Barceló, Blais, Alberola, Viallat e tantos outros.
É difícil compreender Jeff Koons, Mike Kelley e até mesmo Andy Wharol, hoje em dia, sem pensar em Picabia. Descobre-se que trabalhos de muitos pintores como Malcolm Morley e Eric Fischl nos Estados Unidos, Corpet e Pencreach na França, Kippenberger, Oehlen e Polke na Alemanha, por exemplo, não diferem muito do de Picabia feito em 1930! No caso de Sigmar Polke, o parentesco é evidente: exatamente como o seu mestre, ele desliza imagens transparentes umas sobre as outras e joga com as superposições. Do mesmo modo prefere a fluidez, a leveza e a incoerência da memória.
Outros ainda declaram a sua admiração: Armleder, Bertrand Lavier, Lebel… a lista é imensa. Porém, o que faz com que Francis Picabia se iguale a Picasso e a Duchamp no grau de paternidade que ele mantém para as mais novas gerações é talvez o que definiu a dupla Peter Fischli e David Weiss: “Para nós, dizem eles, Picabia jamais se revelou no primeiro grau. Há sempre um outro estrato. Ele nos abriu as portas da ironia: pinta algo que tem o ar de ser isto ou aquilo, mas é outra coisa (…) Não se trata apenas de pintura, mas de arte. Picabia pensa sobre a arte por meio de imagens e abre realmente o campo à arte da vida, ao cotidiano, ao trivial e nos coloca pequenas questões (…) O que nós amamos em Picabia é essa capacidade de mudança permanente, esta maneira de estar sempre aberto à vida, de passar por cima de tudo sem ficar escravo de uma idéia única ou de um estilo.”

The City of Paris 1913 by Robert Delaunay

The City of Paris 1913 by Robert Delaunay ( detail)

"Manege de Cochons" The Pig Farmer, 1922

Rhythm, Joie de Vivre Robert-Delaunay

Robert Delaunay ( 1885-1941): artista françês que usava o absatracionismo e o cubismo em seu trabalho. Sua influência chave relacionou-s ao uso do bold ( realçe da cor), e um amor desobstruído da experimentação da profundidade e do tom. Em 1909, Delaunay começou a pintar uma série de estudos da cidade de Paris e da Torre Eiffek. Pelo convite de Wassily Kandinsky, Delaunay junta-se ao grupo "O Cavaleiro Azul", um grupo de artistas abstratos de Munique, em 1911, e sua arte se volta ao abstrato.

František Kupka (1871-1957) : Pintor Checo, Nascido em Opocno na Boémia oriental, era filho de um escriturário de notário. A sua vida de artista começa a formar-se aos 13 anos, quando trabalhou num atelier de esfolagem. Aqui é influenciado pelos temas do ocultismo ( gosto pelo sobrenatural e secreto, interesse pelos fenômenos sobrenaturais). Ingressa na Escola de Artes Aplicadas de Jaromer, mais tarde entra na Academia de Belas Artes de Praga, onde se licencia em 1892. Após a licenciatura, Kupka parte para Viena, Áustria, onde estuda na Akademie der Bildenden Kuste, e toma contacto com o Gustav Klimt, Arnold Schonberg e Sigmund Freud, aprofundando o seu lado oculto. Em 1896 viaja para PAris, onde se instala definitivamente, a influencia desta maravilhosa cidade teve um efeito libertador da influência obscura de Viena. Por volta de 1906, Kupka dedica-se ao estudo da cor, elaborando pinturas de colorido intenso, e de pinceladas arbitrárias. Influenciado pelos irmãos Ducham Villon, seus vizinhos no bairro Puteaux, onde residia, Kupka frequenta reuniões dedicadas ás artes plásticas, e á ligação da matemática ao cubismo. Kupka incia, assim o caminho para a abstracção, através de pinturas como Discos de Newton ( 1911) ou Amorfa (1912). Em 1912, Kupka, juntamente com Robert Delaunay, Fernand Léger e Francis Picabia, fás parte de um grupo de artistas integrados no movimento órfico. Na 1º Grande Guerra, Kupka alista-se no exércio, e chega á posição de capitão. Por influencias pelas guerra, Kupka inicia o chamado ciclo orgânico. Sua primeira exposição individual, em 1920, é bem aceite pela crítica, mas fracassa em vendas, o que o leva a retirar-se da vida artística. Anos 30, marcou uma fase de mudança positiva para Kupka, é convidado para fazer parte de uma associação Abstraction-Création, e expõe durante três anos as suas obras, neste período, a sua obra é dedicada ao abstraccionismo geométrico. Anos 40 marcam, de novo, uma fase negativa, e se vê obrigado a retirar de Paris, em 1940. Cada vez é mais reconhecida a contribuição deste pintor para a definição das primeiras fases do movimento da arte abstracta.

Estes dois pintores são dois dos meus pintores de excelencia, daí merecem de minha parte toda esta minha atenção.

É política deste museu mudar regularmente a colecção que é exposta ao publico, pois no acervo deste museu figuram mais de 60.000 obras de arte, de modo que seja possivel demonstrar o caracter multidisciplinar e vasta da mesma colecção. O primeiro piso que visitamos expõe a colecção de arte contemporãnea e as diferentes formas como tal se manifestou desde os primeiros anos 1960 até aos dias de hoje, representado pela Arte Minimalísta " Minimal Art", Arte Conceptual " Conceptual Art" e Anti-Forma " Anti-Form. No Segundo piso, a colecção foca-se na história de arte de 1905 a 1960, nesta representação cronologica, cada divisão deste piso era dedicada a um unico artista!!

René Magritte (1898-1967), "Le Double Secret, 1927"

Pablo Picasso

Antoine Pevsner (1884-1962), Masque 1923

Sala de Piet Mondrian

Chagall

Modigliani

Robert Delaunay

Jean Atlan

Jean Atlan

Auguste Herbin

Robert Delaunay

Sala Robert Delaunay

Jean Hélion

Chagall

Juan Gris

Nathalia Gontcharova

Giacomo Balla

Robert Delauny

Informações uteis:

Centre George Pompidou Place Georges Pompidou, Paris

Tel.: (+33) 01 44 78 12 33

Mêtro: Rambuteau, Hôtel de Ville RER: Châtelet-Les-Halles

BUS: 21, 29, 38, 47, 58, 69, 70, 72, 74, 75, 76, 81, 85, 96

LINK'S:

http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Accueil.nsf/tunnel?OpenForm

http://www.paris.org/Musees/Beaubourg/info.html

http://conexaoparis.wordpress.com/2007/08/13/como-visitar-o-museu-georges-pompidou-em-paris/

http://www.ambafrance.org.br/abr/label/label25/artes/pompidou.html

"Art Deco"

2008-12-11T21:53:00.018Z

Pintura a Óleo e Spray, 90x90 10/11/2008

Pormenores

" Um Mundo, Vários Museus " - Veletržní palác

2008-09-20T08:13:00.050+01:00

National Gallery's Centre for Modern and Contemporary
"National Gallery in Prague"

Começo aqui uma nova rubrica, desta vez dedicada à apreciação e apresentação de vários museus que vou visitando.

"Veletržní palác", é o museu de arte contemporânea de Praga, que para mim constitui uma enorme surpresa dado a qualidade da colecção disponível como irão poder ver pelo acervo.

Este museu de arte contemporânea possui um espaço gigantesco- foi, quando construido, local para feira internacional, mais tarde e depois de um incendio adaptado para o Museu.

Foi no dia de Portugal- R. Checa que visitei este museu ( jogo de resultado 3-1 a contar para a fase de grupos da fase final do Campeonato da Europa), , como bem vão entender pelas fotos que irei colocar. Localizado num distrito de Praga um poucomais periférico, mas de rápido e fácil acesso, devido à maravilha e pontualidade dos transportes checos, foi sensivelmente 20 minutos da nossa residência que se localizava no lado oposto da cidade. Aparentemente, para quem já estava no 4 dia em Praga ( habituado a uma riqueza arquitectónica típica do barroco e renascimento de elevado teor artístico, em que todos os edificios contam uma historia quase a nivel do século), ao ver o edifício deste Museu não fica de todo entusiasmado, dado ser de fachada moderna o que choca com toda a zona envolvente, destoando com a quase totalidade dos museus em Praga que se inserem-se em edifícios Históricos, o que forma um contraste propositado bastante interessante em relação aos restantes museus no resto da Europa Leste de visão mais clássica. Mas a surpresa começa logo pelo facto que ninguém pensaria que foi construído em 1928 e aparenta ser um edifício de traço moderno, mas ao entrar no mesmo fui a pouco e pouco conquistado pela qualidade da estrutura interna do edifício e a sua estruturação. A cor principal da estrutura é o branco, de formato rectangular, composto de 6 piso muito ao estilo daquilo que chamamos "Functionalism style", possuindo dois espaços principais, um grande pátio interior e outro um pouco mais pequeno, constituindo no total de sensivelmente 4 pisos dedicados á exposição, com excelente quantidade de luz natural dado que todos pisos de exposições são periféricos a uma extensa zona de clarabóia.

A História da Galeria Nacional de Praga começou a ser escrita a 5 de Feveiro de 1796 quando um grupo de notáveis Checos, tais como vários intelectuais de classe médias decidiram começar um projecto que visava fomentar o gosto e interesse pelas novas correntes de arte que por esta altura "inundavam" a Europa, sendo o desejo elevar o espírito da nação atravez de trabalhos de arte e do conhecimento artístico.

A corporação formada, passou a se chamar "Society of Patriotic Friends of the Arts", que posteriormente estabeleceram duas importantes instituições, "Academy of Fine Arts" e a Galeria de imagens da Sociedade Patriotrica dos amigos da arte. Esta Galeria de Imagens foi o que precedeu, aquilo que hoje em dia chamamos Galeria Nacional de Praga. Em 1902, a Galeria de Imagens passou a integrar outra fundação privada de elevada importância, a "Modern Gallery of the Kingdom of Bohemia" ( fundação privada do Imperador Franz Joseph I). A Galeria Moderna então começou a construir o seu núcleo principal no século 20.

A colecção permanente exibe arte dos séculos 20 e 21 em 3 pisos, trabalhos de importantes pintores checos, tais como um dos meus artistas favoritos da "casa" Frantisek Kupka(1871-1957), artistas checos esses que foram na sua maioria influenciados por estilos que naquela época dominavam em todo o resto a europa de ocidental - Faunismo, Cubismo e os Impressionistas em Particular.

Encontramos trabalhos de muitos dos artistas que marcaram a pintura nos ultimos dois séculos, Delacroix, Monet, Renoir, Degas, Gauguin, Van Gogh, Cézanne, Matisse, Schiele, Klimt, Munch, Picasso e Warhol que se encontram disponiveis na colecção permanente desde o século 19, mas tambem a nivel de escultura, havia inumeros trabalhos de maravilhosos escultores tais como Rodin.

Gustav Klimt ( 1862-1918): Pintor associado ao simbolismo, destacou-se dentro do movimento Art Nouveu austríaco, este quadro é do período dourado, nesta fase o pintor experimentou uma mudança de estilo em relação aos seus periodos anteriores, surgem os motivos geométricos repetidos, deixando aparecer apenas algumas partes essenciais realistas, que permitem o seu entendimento, aqui é usada uma cobertura ao estilo bozantino, bastante cerrada como mosaicos, onde o realismo e a abstracção se confrontam. Esta obra

"The Virgins" 2,024×1,913 Gustav Klimt

Cada artista encontrava-se perfeitamente identificado e inserindo num contexto tanto do ponto de vista temporal e ideologico sendo sempre uma selecção de certos trabalhos "chave" e um respectivo perfil monográficos que facilmente nos apresentava e inseria o artista no seu contexto artístico.

Percorri o museu em cerca de 3 horas, das quais parecem insufecientes para ver tal panoplia de obras, percorri todos os estilos a nivel de pintura, da Arte Contemporânea á Arte Classica, passando por uma exposição temporaria ligada ao título de "Pintura associada ao movimento" onde vi ideias e conceitos muito interessantes de artistas que curiosamente eram em grande parte de origem Italiana tais como...........

A quantidade e representatividade de obras de outros artistas de renome foi uma agradavel surpresa, tais como a sala de Picasso, onde tinhamos obras dos varios periodos do mesmo ( periodo clássico, periodo azul, periodo cubista, etc...), George Braque, Paul Klee entre muitos outros.

Este museu já possui um historial de mais de 2000 exibições, variando entre arquitectura, mobília, moda, design, fotografia e pintura que são e foram mostrados no total de 13.500 m2.

Encontrei no terceiro piso, na área das exposições temporárias, uma colecção de arte associada ao movimento, colecção esta de elevada qualidade artística, cheia de novas técnicas e novos pontos de vista na exploração da Arte Optica e da Arte associada ao movimento. Deixo aqui várias tecnicas e varias ideias que achei bastante interessantes:

Em especial gostei dos trabalhos do reputado Ferruccio Gard, um dos mais conhecidos e reputados exponentes da arte abstrata. Ferruccio já teve mais de 130 exposições individuáis e mais de 200 em exposicções colectivas em Museus e Galerias de todo o mundo, da China, Japão, Estados Unidos, Australia, Suecia, e a lista continua...

Já foi convidado para 5 Bienais Internacional de Veneza ( 1982-1986-1995-2007-2009) e na 11º Quadriennale Nazionale de Roma (1986). Foi convidado a participar na exibição mais importante de sempre de Italianos do cenário da Arte Abstrata " Astratta: Secessioni Astratte in In Italia dal dopoguerra al 1990" organizada por Giorgio Cortenova e Filiberto Menna. Desde 1973 trabalha e vive em Veneza, com o seu estudio no Lido, tem estado no activo á já 30 anos, e após o seu inicio no campo do surrealismo e do campo metafísico, caracterizado por figuras geométricas, seguindo uma evolução coerente e em 1978, entrou no campo da art programada, neo-construtivismo, "Gestaltic-Art" que é a nova vertente artística que se baseia na maneira da percepcção e interpretação psicologica da teoria da forma. Dentro deste campo continuou a experimentar a relação das formas com a luz, espaço e forma, até ao cromatismo e a percepção visual.

Ferruccio Gard

Alberto Biasi, "Visual Triangular Dinamics" 1965-1978

Alberto Biasi, "Circular Dyamics", 1962-1965

Alberto Biasi

Recomendo vivamente a todos os viajantes que se interessam pelas artes, este museu como ponto obrigatorio a qualquer visita a Praga.

Informações uteis:

Morada:Veletrzni Palace (Trade Fair Palace), Dukelskych hrdinu 47, Prague 7 - Holesovice, situado na esquina de Dukelských hrdinů com VeletržníTransportes:Tram 5, 12 or 17 to Veletržní or metro red line C to Vltavská

Telefone:+420 224 301
Web: http://www.ngprague.cz/Horário: Todos os dias das 10.00 ás 18.00, excepto Segundas
Preços:http://www.prague.net/veletrzni-palaceMapa: http://www.ngprague.cz/120/detail-mapa/map/

"A Origem da Vida"

2008-09-03T00:52:00.008+01:00

Pintura a Óleo, Sequência de 5 quadros, 40x40 2/9/2008

Directório de Arte ( Agosto)

2008-08-02T08:16:00.024+01:00

Sol LeWitt (Hartford, 9 de setembro de 1928 — Los Angeles, 8 de Abril de 2007) foi um artista estadunidense de arte minimalista.

Um dos principais protagonistas da arte minimalista, Sol Lewitt criou, nos anos 60, estruturas compostas de elementos cúbicos ou derivadas do cubo, em variações organizadas sobre uma grade. Eram volumes simples, que convidavam o espectador a reconstruir o retrato mental das variações possíveis de uma dada figura. Lewitt trabalhou, em seguida, com murais nos quais detalhou as relações entre concepção e percepção, superfície e volume. Enquanto análise dos princípios fundamentais do desenho, essas obras refletem a lógica das permutações e variações. A partir do final dos anos 70, o artista concentrou-se em seus "Desenhos Murais", cada qual concebido para um local específico e refletindo as lições que ele extraiu dos afrescos da Renascença italiana e do disegno. As cores tornaram-se mais dominantes nessas obras e as figuras isometria foram tratadas como formas tridimensionais achatadas. Desde o início de sua carreira, Sol Lewitt dedicou-se a mudar nossa compreensão das convenções pela alteração de nossos sentidos.

O artista norte-americano Sol LeWitt, um dos principais nomes da arte conceptual, faleceu no domingo em Nova Iorque, vítima de cancro.LeWitt, de 78 anos, nasceu em Hartford, numa família de imigrantes russos, formou-se na Universidade de Syracuse, Nova Iorque, e viveu nos últimos 20 anos em Chester, no estado de Connecticut.Muito do seu trabalho artístico baseou-se em variações com esferas, triângulos, cubos e outras formas geométricas. Na opinião da crítica, o artista contribuiu, com a sua obra, e em particular com os desenhos murais, para uma reavaliação das relações entre os conceitos e os materiais.

Sol LeWitt, um dos ícones da arte minimalista, morreu na manhã do último domingo em Nova York aos 78 anos, após anos lutando contra um câncer.

Obra de arte "Wall Drawings" pelo artista americano minimalista Sol LeWittO artista é considerado um dos mais importantes dos Estados Unidos. Seus primeiros trabalhos lançaram as bases para as novas linguagens da arte minimalista e conceitual. O texto de sua autoria, "Sentences on Conceptual Art" (uma lista com 35 frases que publicou em 1969) virou um guia para a nova arte da época.

Visitante olha obra de arte "Wavy Brushstrokes" do americano Sol LeWittSuas estruturas, derivadas de elementos do cubo, e os seus desenhos reconstruíam a idéia de espaço e de volume das figuras, redefinindo os parâmetros da arte durante os anos 70. As obras de arte continuam a influenciar os artistas das novas gerações pela simplicidade com que é realizada e pela aura metafísica que possuem.LeWitt nasceu em Hartford, no Estado norte-americano de Connecticut, em 1928. Filho de judeus, seu pai era médico e sua mãe, uma enfermeira, ambos vindos da Rússia. Ele começou a estudar arte porque "não sabia o que fazer. Era algo de que eu gostava", disse LeWitt em uma entrevista

Arte conceptual, Conceptual art:

A Arte conceptual (ou arte conceitual), define-se como o movimento artístico moderno ou contemporâneo que defende a superioridade das idéias veiculadas pela obra de arte, deixando os meios usados para a criar em lugar secundário. O artista Sol LeWitt definiu-a como:

Em arte conceptual, a idéia ou conceito é o aspecto mais importante da obra. Quando um artista usa uma forma conceptual de arte, significa que todo o planejamento e decisões são tomadas antecipadamente, sendo a execução um assunto secundário. A ideia torna-se na máquina que origina a arte.

Esta perspectiva artística teve os seus inícios em meados da década de 1960, parcialmente em reação ao formalismo, sendo depois sistematizada pelo crítico nova-iorquino Clement Greenberg. Contudo, já a obra do artista francês Marcel Duchamp, nas décadas de 1910 e 1920 tinha prenunciado o movimento conceitualista, ao propor vários exemplos de trabalhos que se tornariam o protótipo das obras conceptuais, como os readymades, ao desafiar qualquer tipo de categorização, colocando-se mesmo a questão de não serem objetos artísticos.
A arte conceitual recorre frequentemente ao uso de fotografias, mapas e textos escritos (como definições de dicionário). Em alguns casos, como no de Sol Lewitt, Yoko Ono e Lawrence Weiner, reduz-se a um conjunto de instruções escritas que descrevem a obra, sem que esta se realize de fato, dando ênfase à ideia no lugar do artefato. Alguns artistas tentam, também, desta forma, mostrar a sua recusa em produzir objectos de luxo - função geralmente ligada à ideia tradicional de arte - como os que podemos ver em museus.
O movimento estendeu-se, aproximadamente, de 1967 a 1978. Foi muito influente, contudo, na obra de artistas subsequentes, como no caso de Mike Kelley ou Tracy Emin que são por vezes referidos como conceptualistas da segunda ou terceira geração, ou pós-conceptualistas.

A arte conceitual é aquela que considera a idéia, o conceito por trás de uma obra artística. como sendo superior ao próprio resultado final, sendo que este pode até ser dispensável.
A partir de 1960, essa forma de encarar a arte espalha-se pelo mundo inteiro, abarcando várias manifestações artísticas.
Entretanto, desde Duchamp podem ser percebidos os primeiros indícios da sobrevalorização do conceito.
DUCHAMP (Marcel), pintor francês (Blainville, 1887 – Neuilly-sur-Seine, 1968). Inicialmente influenciado pelo cubismo, teve depois participação importante no movimento dadá e no surrealismo. Tendo-se fixado nos E.U.A., dedicou-se à "antiarte" e em 1914 criava o primeiro ready-made. Suas pesquisas viriam a exercer influência na "pop-art".
Um trabalho de arte conceitual, em sua forma mais típica, costumava ser apresentado ao lado da teoria. Pôde-se assistir a um gradual abandono da realização artística em si, em nome das discussões teóricas.
Países como a Inglaterra (que historicamente se mantivera avessa às discussões teóricas quando o assunto era arte) foram grandes focos desse novo modelo. Publicações, como "Art and Language", do grupo liderado por Victor Burgin e John Stezaker, eram bastante influentes.
O uso de diferentes meios para transmitir significados era comum na arte conceitual. As fotografias e os textos escritos eram o expediente mais comum, seguida por fitas K-7, vídeos, diagramas, etc.
Nos Estados Unidos, temos as figuras de Lawrence Weiner e Robert Barry, como importantes expoentes do novo estilo.
Joseph Kosuth também é considerado um dos líderes do movimento no país. É bastante conhecido seu trabalho "One and Three Chairs", que apresenta uma cadeira propriamente dita, uma fotografia de uma cadeira e uma definição extraída do dicionário sobre o que seja uma cadeira.
"A Arte como idéia", em que dá definições de pintura divididas em itens sobre um fundo negro, é outro bom exemplo de trabalho conceitual.
Os artistas não se incomodavam em evitar as trivialidades, em criar elementos que tornassem interessantes suas composições ou realizar composições agradáveis ao olhar.
Pelo contrário, era preferível que nada desviasse a atenção da idéia que um trabalho deveria expressar.
Alguns artistas iam mais longe, afirmando que essas imagens triviais poderiam refletir a própria superficialidade de quem as observa.
Utilizando-se de imagens comuns, como por exemplo, a cadeira de Kosuth, em que pode se argumentar não ter acrescentado nada ao conhecimento de qualquer pessoa, acostumada com uma cadeira, não costumava ser bem recebida pelo público.
Além disso, o problema maior era que, não acrescentando nada, essas experiências fora do eixo convencional tornavam difícil o julgamento do que era realmente uma obra de arte ou simples amadorismo.
Entretanto, grande parte dos artistas conceituais tinham por objetivo, com esse tipo de procedimento, realizar exatamente o contrário: popularizar a arte, fazer com que ela servisse como veículo de comunicação.
Seria uma oposição ao hermetismo do minimalismo e à redução da arte às relações, por exemplo, entre forma e pigmentação.
Na verdade, servindo-se de textos abstratos, normalmente aproveitando-se da lingüística ou da filosofia, acabam por possivelmente aumentar o hiato entre o artista e o grande público

Diretório de Arte (Julho)

2008-07-26T08:38:00.039+01:00

Victor Vasarely, nascido Vásárhelyi Győző, ( 9 de abril de 1906 — Paris, 15 de março de 1997)

"The Art Of Tomorow will be a Colletive Treasure or it will not be Art at all"

1953,Victor Vasarely

Victor Vasarely, nascido Vásárhelyi Győző, (Pécs, 9 de abril de 1906 — Paris, 15 de março de 1997) foi um pintor e escultor húngaro radicado na França, considerado o "pai da OP ART"(abreviatura de Optical Art), nasceu em Pécs na Hungria. Estudou em Budapeste e foi depois para Paris, onde trabalhou como designer gráfico em várias empresas de publicidade. Entre 1946 e 1948, depois de um período de expressão figurativa, decidiu optar por uma arte construtivista e geométrica abstrata.

Experimentou o uso de transparências e cores em projeções, produziu tapeçarias e publicou suas primeiras gravuras. Seus quadros combinam variações de círculos, quadrados e triângulos, por vezes com gradações de cores puras, para criar imagens abstratas e ondulantes. Viajou por muitos países, sempre recebendo vários prêmios. É considerado um dos principais artistas do movimento Op Art , entre suas obras se destacam suas "vegas" obras caracterizadas pela impressão 3D concedida as 'esferas', e por cores contrastantesVitor Vasarely dedicou-se a aspectos cinéticos da arte, as suas telas são abstractas e pretendem criar uma ilusão de movimento com elementos geométricos padronizados e cores contrastantes numa progressão matemática. Podemos dizer que as suas obras são uma celebração à velocidade da vida contemporânea. Este é um poeta do cinético.

Vega-Nor, 1969

VICTOR VASARELY "THE ABSOLUTE EYE"

Victor Vasarely VEGA-VIZI, h: 100 x w: 100 cm / h: 39.4 x w: 39.4 in

Victor Vasarely, Byss, 1979

Varios trabalhos de Victor Vasarely exposto na sua Fundação "Fondation Vasarely":
2005, Aix-en-Provence, France --- Victor Vasarely Foundation Building

A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa "arte óptica". Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo precário e instável, que se modifica a cada instante.
Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.

Op Art é um termo usado para descrever certos quadros feitos principalmente na década de 1960, que exploram a falibilidade do olho pelo uso de ilusões ópticas. Aquelas figuras que ficamos olhando hipnotizados e que muitas vezes nos provocam até a sensação de movimentos.

Efeito Optico devido á refracção da luz

Principais artistas do movimento de "arte óptica":

Alexander Calder (1898-1976) - Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. Mas, depois de 1932, ele verificou que se mantivesse as formas suspensas, elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. Embora, os móbiles pareçam simples, sua montagem é muito complexa, pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue.

Victor Vassarely - criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas, em preto e branco ou coloridas. São engenhosamente combinadas, de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo, que se modificam desde que o contemplador mude de posição. O geometrismo da composição, ao qual não são estranhos efeitos luminosos, mesmo quando em preto e branco, parece obedecer a duas finalidades. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade, como diz o artista; por outro lado, solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta".

Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.
A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa "arte óptica". Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstractos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.
O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como "op art". Sugeriu-se que trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 30, tais como Zebra (1938), que é inteiramente composto por listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebra sentada, devem ser consideradas as primeiras obras de op art.
Em 1965, uma exposição chamada The Responsive Eye (O Olho que Responde), composta inteiramente por trabalhos de op art, abriu em Nova Iorque. Esta exposição fez muito para trazer a op art à ribalta, e muitos dos artistas hoje considerados importantes no estilo exibiram lá trabalhos seus. Em seguida, a op art tornou-se tremendamente popular, e foram usadas imagens de op art em vários contextos comerciais. Bridget Riley tentou processar uma empresa americana, sem sucesso, por usar um dos seus quadros como base para um padrão de tecido.
Bridget Riley é talvez a mais conhecida dos artistas de op art. Inspirando-se em Vasarely, pintou uma série de quadros só com linhas pretas e brancas. No entanto, em vez de dar a impressão de um objecto do mundo real, os seus quadros deixavam frequentemente a impressão de movimento ou cor.
Mais tarde, Riley produziu trabalhos coloridos, e outros artistas de op art também trabalharam com cor, embora estes trabalhos tendam a ser menos conhecidos. Contrastes violentos de cor são por vezes usados para produzir ilusões de movimento similares às obtidas a preto e branco.
Outros artistas op art dignos de nota são Alexander Calder, Youri Messen-Jaschin e Victor Vassarely.

Diretório de Arte (Julho)

2008-07-19T08:54:00.014+01:00

Giacomo Balla (Julho 18, 1871 - 1 de Março, 1958) Pintor Italiano
Movimento Futurista

A TÉCNICA DA REPETIÇÃO

Vida
Giacomo Balla nasceu em Turim, na Itália, em 1871. Em 1910 declarou publicamente sua filiação ao movimento futurista do qual se afastou em 1931. Morre no ano de 1958, em Itália.

Obra
O pintor italiano durante a sua obra tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas, sem chegar a uma total abstracção. Mesmo assim, mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas, com a situação da luz e a integração do espectro cromático. A sua formação académica restringiu-se a um curso nocturno de desenho, de dois meses de duração, na Academia Albertina de Turim, sua cidade natal. Em 1895 o pintor mudou-se para Roma, onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes.Cinco anos mais tarde, fez uma viagem a Paris, onde entrou em contacto com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou em várias exposições. Na volta a Roma, conheceu Marinetti, Boccioni e Severini. Um ano mais tarde, junta-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista.Preocupado, como seus companheiros, em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento, apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado.Dissolvido o movimento, Balla retornou às suas pinturas realistas e voltou-se para a escultura e a cenografia. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas, não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade, ou desintegração das formas, numa repetição quase infinita, que permitia ao observador captar de uma só vez todas as sequências do movimento.

Velo di vedova paesaggio Corazzata vedova(1919)

Óleo sobre Tela, 105 x 110 cm, Mart, VAF - Stiftung, Rovereto

Giacomo Balla, Pessimismo e Optimismo, 1923 Oil on Canvas
Giacomo Balla.Abstract Speed and Sound, 1913-14.ÓleoA velocidade,conseqüência da moderna tecnologia, é expressa na pintura pelo dinamismo da forma.
É um dos elementos característicos desse estilo. O artista deseja dar forma plástica à velocidade em um espaço bidimensional.
Procura expressar o movimento real, registrando a velocidade descrita pelas figuras no espaço.

O pintor futurista não está interessado em recriar a imagem de um automóvel, mas captar em forma plástica a velocidade, o movimento.Essa é a preocupação estética do futurismo.Sua origem está na Itália no manifesto programático de Marinetti, promulgado em 1909, em publicação do “Le Figaro”.“…um automóvel rugente, que parece correr sobre a metralha, é mais bonito que a Vitória de Samotrácia”.
O artista só vê beleza quando associada à luta. Nenhuma obra desprovida de caráter agressivo pode ser uma obra prima.”

O grupo futurista italiano em Paris.Da esquerda para a direita: Carrà, Russolo, Marinetti, Boccioni e Severini

Aderem a esse movimento:Carlos Carrá (1881-1966)
Giacomo Balla (1871-1958), turinês

Giacomo Balla.The Hand of the Violinist, 1912. Óleo.
Gino Severini (1883-1966)

Gino Severini. Cannon in action, 1915.
Umberto Boccioni (1882-1916)

Umberto Boccioni. Charge of the lancers, 1915. Têmpera e colagem sobre papel cartão

O que distinguirá o movimento do corpo no espaço, em composições cubistas e analíticas daquelas do Futurismo, é que no Cubismo o movimento simultâneo da figura é registrado em planos estáticos.A figura é vista em vários ângulos, sempre em repouso .E, no Futurismo, a figura, o movimento da mesma e o deslocamento no espaço são projetados na composição.

O futurismo é um movimento artístico e literário, que surgiu oficialmente em 20 de Fevereiro de 1909 com a publicação do Manifesto Futurista, pelo poeta italiano Filippo Marinetti, no jornal francês Le Figaro. Embora tenha começado como um movimento de reforma literária, em breve o futurismo expandiu-se e abarcou outras disciplinas, à medida que jovens artistas italianos respondiam com entusiasmo a seu chamado às armas.
O movimento, a velocidade, a vida moderna, a violência, as máquinas e a quebra com a arte do passado eram as principais metas do futurismo.
Foi elaborado um primeiro “Manifesto dos pintores futuristas”, datado de 11 de Fevereiro de 1910 e logo surgiu um segundo, em 11 de Abril de 1910, intitulado “Pintura futurista: manifesto técnico”, no qual os artistas se declaravam “os primitivos de uma nova sensibilidade, completamente transformada”, e apresentavam ideias mais concretas sobre como realizar essa nova sensibilidade: O gesto que reproduziríamos na tela já não será mais um momento fixo no dinamismo universal. Será simplesmente a própria sensação dinâmica. Nesse manifesto constava ainda que:
«Deve ser feita uma limpeza radical em todos os temas gastos e mofados a fim de se expressar o vórtice da vida moderna - uma vida de aço, febre, orgulho e velocidade vertiginosa.»
Os artistas futuristas deparavam-se com o sério problema de representar a velocidade em objectos parados e as soluções apresentadas foram a representação de seres humanos ou animais com múltiplos membros dispostos radialmente e em movimento triangular.
Embora, tentassem se distanciar dos cubistas, os futuristas tiveram um débito para com eles. Numa época em que o cubismo era muito pouco conhecido fora de Paris, usaram as formas geométricas e os planos de intersecção cubistas, em combinação com cores complementares. Num certo sentido, puseram o cubismo em movimento.

"Espasmo"

2008-07-09T14:45:00.013+01:00

Pintura a óleo, 81x110, 3/7/2008

Técnica mista, pintura de acrílico/óleo e spray, um quadro cujo objectivo primordial é a estimulação visual ao mais alto nível. Uso além de pincéis, a espátula.... Influências a nivel de organização, construção dos elementos e cores, por parte do artista Gino Savarino.

Pormenores

"Mar revolto"

2008-06-18T19:18:00.014+01:00

Pintura a òleo, 91x 120 cm

15/05/2008

Quadro inspirado numa temática marínha, nomeadamente estruturas coralinas e nas cores do mar tipico das caraíbas! Nele identifico, toda a temática associada a Cuba, a cõr do mar, os recifes, a propria rebentação das ondas, e a animação típica desse povo demonstrado pelo "traço" lilás que corta harmoniozamente todo o quadro.

Pormenores

"Construção"

2008-04-27T20:58:00.003+01:00

Pintura a óleo, 50x60

Quadro inspirado obviamente no estudo de formatos quadrados que neste mês em particular me encontrava a explorar, foi a partir deste que surgiram quadros tal como “Ordem e Desordem I” e o “Ordem e Desordem II. Cronologicamente este foi o meu terceiro quadro completo, tinta aplicada numa tela de cartão que eu achei á partida uma boa solução, dado ao preço e á qualidade do próprio linho. Quando uma pintura é executada numa destas telas de cartão, devem ser o mais rapidamente emolduradas ou enquadradas num meio rígido e liso, pois temos de ter bastante cuidado, pois esta tem tendência a perder o seu carácter recto e a entortar. Tentativa de explorar e visualizar o efeito de uma separação executada nível da diferença de cor da região central para a periferia do mesmo, efectuando a separação do mundo real para o mundo artístico.

"Centro"

2008-04-11T19:23:00.010+01:00

Pintura a Óleo, 80x100, 11/04/2008

Pormenores

"Fugas"

2008-03-26T16:42:00.008Z

Pintura a Óleo e Spray, 50x60

Velocidade II

2008-03-26T16:23:00.006Z

Pintura a Óleo, 80x100

"Velocidade"

2008-03-12T17:10:00.000Z

Pintura a Óleo, 70x100

"Projetando Exames"

2008-03-12T16:32:00.000Z

Pintura a Óleo, 70x80

Pormenores

"Árvore"

2008-03-12T16:09:00.000Z

Pintura a Óleo, 40x110, Janeiro de 2008

Pormenores

"Veludo Vermelho"

2008-03-09T19:20:00.001Z

Pintura a Óleo, 20x30

colecção particular

Pormenores

"Perfume"

2008-03-09T18:48:00.000Z

Pintura a Óleo e Spray, 24x30

Pormenores

"Porque não?"

2008-03-08T03:56:00.001Z

Pintura a Óleo 80x90

"Vermelho Escarlatino"

2008-03-08T03:52:00.000Z

colecção particular

"Ordem e Desordem I"

2008-03-08T03:10:00.000Z

Pintura a Óleo, 60x80

colecção particular

"Divisões"

2008-03-08T03:00:00.000Z

12 24x33 25x56 Pintura a òleo

"O Primeiro de Muitos"

2008-03-08T02:41:00.000Z

Pintura a óleo, 40x80

"Emoções"

2008-03-08T02:20:00.000Z

Pintura a óleo, 70x70

"Primeira vez, nunca mais"

2008-03-08T01:58:00.000Z

Pintura a óleo, 45x35,5, 2007

"29 Cores e 3 Pincéis"

2008-03-07T14:19:00.000Z

Pintura a óleo, 60x100, 16 de Novembro de 2007

Pormenores

"Ordem e Desordem"

2008-03-07T13:47:00.002Z

Pintura a óleo, 70x100

Visão lateral

Pormenores

"Projetando Férias"

2008-03-07T13:30:00.002Z

Pintura a óleo, 70x70

Visão lateral

Pormenor

"À Descoberta de Espaço"

2008-03-07T12:55:00.000Z

Pintura a óleo, 46x61, Dezembro de 2007

Visão Lateral

Visão da parte superior da Tela

Visão da parte inferior da Tela

Visão intermédia da Tela

"Bolas"

2008-03-07T12:24:00.001Z

Pintura a óleo, 70x50 Outubro de 2007

Visão Lateral